Galerie Open

Galerie Open http://galerie-open.net/ galerie OPEN has been changed to galerie OPEN by Alexandra Rockelmann beginning 2008. Alexandra Rockelmann took over the gallery as sole owner and curated the first show, under the new name, in March 2008. Previously she had curated the exhibition of Katherine Newbegin "Warteraum / Waiting room" and Jeffrey Teuton “Dracula, a Snake and Narcissus walk into a bar...“ at galerie OPEN. en Copyright 2011, Alexandra Rockelmann Wed, 15 Jun 2011 16:31:02 -0400 Exhibition: Jeffrey Teuton <div class="exhibition-subtitle">My Sauvignon Blanc isn't cold enough: and other things I have yelled for attention</div> <div class="exhibition-dates">May 19 - July 21, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, May 19, 8:30 PM - 11:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2198"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/42/42694.jpeg" alt="Installation shot" height="415" width="500" /></a> <p><p>Installation shot</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich sehr in ihren Räumen, die erste Einzelausstellung des in Indiana (USA) gebürtigen und in New York lebenden Künstlers Jeffrey Teuton zu zeigen.</p> <p>Jeffrey Teuton lebt und arbeitet in New York. Seine konzeptionellen Bilder sind ein Manifest seiner Notizbücher, welche von ihm durch tägliche Entdeckungen mit Ideen, Epochen, Texten, Fundstücken und Mythen gefüllt werden. Indem er seine Notizen revue passieren lässt, kristallisieren sich wiederkehrende Themen heraus, welche eine Stimme formen, die verlangt zum Ausdruck gebracht zu werden. Teuton lässt dann sein Leben in seine Arbeiten einfließen und es wird ein Teil, eher ein Führer der Werke selbst. Seine Bilder, welche als schnell und leichtfertig gestaltet erscheinen können, sind in Wirklichkeit in monatelanger Arbeit entstanden, welche nötig ist um das Erlebte in simple Formen und Töne herunterzubrechen. Seine Bewunderung für ausgefeilte Techniken anderer Maler ist für ihn zwar eine Motivation, Teuton sagt jedoch: ,,Meine Vulgarität kommt mir dann in die Quere und am Ende verfließt alles in eine gewisse Offenheit".</p> <p>Wir freuen uns auf Ihren Besuch und laden Sie und Ihre Freunde herzlich zu der <br /> <span class="caps">OPEN</span>ing am Donnerstag, 19. Mai, 2011 um 20:30 Uhr bis 23 Uhr ein.</p> <p>Es gibt wieder eine Sonderedition für die Ausstellung! Look into it!</p> <p>-----------------------------</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to announce the most recent work by Jeffrey Teuton in the solo show My Sauvignon Blanc isn't cold enough: and other things I have yelled for attention. Teuton lives and works in New York. His conceptual paintings are a manifestation of his notebooks that fill up with the ideas, eras, words, stories and myths that he collects from his daily discoveries. Through looking back over the pages, reoccurring themes reveal themselves and define the voice that is demanding to speak. Teuton then lets his life unfold in the work, and it becomes a part and a guide of the work itself. His paintings, which may seem quick and frivolous, have taken months to eek out a simple line or a simple shade. His envy of the subtle qualities of other painters is a motivation and as Teuton says: "My vulgarity just gets in the way and I end up spilling everything out in the open."</p> <p><span class="caps">LONG, </span>long ago the raven's feathers were white as snow. He was a beautiful bird, but the other birds did not like him because he was a thief. When they saw him coming, they would hide away the things that they cared for most, but in some marvelous way he always found them and took them to his nest in the pine-tree.<br /> One morning the raven heard a little bird singing merrily in a thicket. The leaves of the trees were dark green, and the little bird's yellow feathers looked like sunshine among them.<br /> "I will have that bird," said the raven, and he seized the trembling little thing.<br /> The yellow bird fluttered and cried, "Help, help! Will no one come and help me!"<br /> The other birds happened to be far away, and not one heard her cries. "The raven will kill me," she called. "Help, help!"<br /> <br /> Now hidden in the bark of a tree was a wood-worm."I am only a wood-worm," he said to himself, "and I cannot fly like a bird, but the yellow bird has been good to me, and I will do what I can to help her."<br /> <br /> When the sun set, the raven went to sleep. Then the wood-worm made his way softly up the pine-tree to the raven's nest, and bound his feet together with grass and pieces of birch-bark.<br /> <br /> "Fly away," whispered the wood-worm softly to the little yellow bird, "and come to see me by and by. I must teach the raven not to be cruel to the other birds."</p> <p>The little yellow bird flew away, and the wood-worm brought twigs, and moss, and birch-bark, and grass, and put them around the tree. Then he set them all on fire. Up the great pine-tree went the flames, leaping from bough to bough.<br /> <br /> "Fire! fire " cried the raven. "Come and help me My nest is on fire!"<br /> <br /> The other birds were not sorry to see him flutter. "He is a thief," said they. "Let him be in the fire."<br /> <br /> By and by the fire burned the grass and the pieces of birch-bark that fastened his feet together, and the raven flew away. He was not burned, but he could no longer be proud of his shining white feathers, for the smoke had made every one of them as black as night.<br /> <br /> _________________________<br /> <br /> <br /> I am vain and I am a liar. I have stolen emotions for my own feeding and I have built brightly colored walls around me to create a story that allows me to keep everyone around me out. Through this I have become a monster clutching and greedy. The balance with need has been lost and I have fully surrendered to a web of want. I misbehave and find solace in being cruel. Cycles and circles have been left incomplete. <br /> <br /> I am left to pick up the pieces and let them smash down. There is nothing else to do but set a fire and bear proudly black feathers of my own creation. This exhibition explores and symbolizes this journey.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2198 Exhibition: Filip Zorzor <div class="exhibition-subtitle">Transfer International</div> <div class="exhibition-dates">March 24 - May 14, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, March 24, 8:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2056"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/42/42322.jpeg" alt="" height="308" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>(English text below)<br /> <br /> Transfer International, befasst sich mit türkischen Orten. Bei seiner Ostanatolien-Reise 2010 begegneten Zorzor Durchdringungen zwischen Natur und Mensch-Gebautem/Architektur auf überwältigende Weise. Der Maler formuliert es folgendermaßen: "Kontraste werden einem in der Fremde viel sichtbarer als in einer heimischen Umgebung. Das sind die Bilder, die sich im Gedächtnis den größten Raum einnehmen, die ich nicht mehr vergesse. Seitdem ich den Muezzin habe fünf Mal am Tag zum Gebet ausrufen hören, bemerke ich in Berlin auch wieder die Kirchenglocken". Die daraus entnommenen Eindrücke wurden in den Bildern neu zusammengebaut. Der Begriff "Orte" bezieht sich hierbei auf reale Städte, wie Kars, Erzurum oder Trabzon. Allgemein in den Arbeiten Zorzors können Orte aber unterschiedlicher Natur sein, wie Speisen, Klänge, literarische Momente oder Kindheitserinnerungen. Der auslösende Moment sich mit einem Ort zu befassen ist hierbei nur seine außerordentliche Qualität oder Skurilität.<br /> <br /> Die aus der Realität kommenden Versatzstücke, die in die Bilder einfliessen, stammen bei Transfer International aus städtischen Eindrücken, Gebäudeoberflächen oder Strassengeflechten. Dieses Material empfindet Filip Zorzor als lebendige Ornamente einer Gegend. Seine Sicht ist hierbei unterschiedlich ausgerichtet: Mal von innen in den Gassen direkt und menschlich, mal von oben wie aus dem Flugzeug gesehen, geometrisch zusammengefasst, entfernt. Die Orte werden aus der Erinnerung im Atelier neu ausformuliert und erschaffen, wobei erlebte Momente wie Klänge, Gerüche und Geräusche genauso miteinfliessen und es nicht um die reine Darstellung von Stadtansichten geht. Als durch und durch Maler diktiert die Farbe die Form und die vor Ort gemachte sinnliche Erfahrung wird analog in die hohe Qualität der Farbigkeit transferiert. Tonwertsteigerungen, Chromatiken oder stark sich kontrapunktierende Kontraste versetzen einen assoziativ in die real erlebten Zustände.<br /> <br /> Seit der Einzel-Präsentation des Künstlers auf der Art Karlsruhe 2010, die unter dem Konzept: "Freudenterror-Nobel" stand, wies er durch die Abhebung der Bilder von der Wand auf ihren Objektcharakter hin. Erste Bildtitel trugen schon vor der Reise die Namen anatolischer Orte.<br /> Seitdem sind die Bilder kompositionell noch eckiger, schärfer geworden. Technisch intensiveirt Zorzor seine Bildgegenstände und experimentiert an seinen farbigen Schichtungen, um rigoros die Kontraste der Bildflächen auseinanderdriften zu lassen. Trotz dieser Extreme, ist der Maler bedacht auf die Bewahrung einer einheitlichen Bildhaut von hoher Qualität und Präzision, mit der er es schafft seine ausgesprochene Originalität und besondere Handschrift zu zeigen.<br /> <br /> Zusammenfassend, beruhen Filip Zorzors Bilder auf Erinnerungsterritorien, die durch den malerischen Prozess jedes einzeln zu einer lebendigen individuellen Welt wird.<br /> Oder um die Arbeiten Zorzors mit einem Satz von Aischylos, aus der Orestie <del>den Eumeniden</del> noch besser zu umschreiben:<br /> <br /> ,,Der Geruch von Menschenblut geht mir nicht aus den Augen."</p> <p>Wir freuen uns auf Ihren Besuch und laden Sie und Ihre Freunde herzlich zu der <br /> <span class="caps">OPEN</span>ing am Donnerstag, 24 Marz, 2011 um 20 Uhr bis 22 Uhr ein.</p> <p>English text...</p> <p>Transfer International deals with Turkish places. On his trip to eastern Anatolia in 2010 Zorzor was overwhelmed by the coming together of nature and man-made buildings and Architecture. As the painter himself puts it, "the contrast is much more visible for a stranger than for one in their home environment. These are the images which dominate my memory and that I will not forget. After hearing the call to prayer five times a day, I now notice the church bells in Berlin." These impressions accumulate in his paintings. In general Zorzor's work is referencing places, but not only their physical qualities but also other aspects such as food, sounds, literarture or childhood memories. His paintings have extraordinary ability to trigger moments of time in these places.</p> <p>In summary, Filip Zorzor's images of memories from inspiring locations are a reminder that every single individual processes environments in a completely unique way. Whether it be through sight, smell or taste, we each encounter the world differently. Or, to use Aeschylus, the Oresteia - The Eumenides describes it even better:</p> <p>"The smell of the blood of man does not vanish of my sight."</p> <p>We look forward to your visit and would like to invite you and your friends to the <br /> <span class="caps">OPEN</span>ing on Thursday 24 March, 2011 at 8pm to 10pm.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2056 Exhibition: art KARLSRUHE 2011 <div class="exhibition-subtitle">with Kathleen Vance</div> <div class="exhibition-dates">March 10 - March 13, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Wednesday, March 9, 2:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2059"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/40/40594.jpeg" alt="Travelling Landscape and drawing by Kathleen Vance" height="720" width="404" /></a> <p><p>Travelling Landscape and drawing by Kathleen Vance</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>In der one-artist show zeigen wir eine Auswahl von Kathleen Vance aus Neu York.</p> <p>We will be presenting a solo show of a range of works by Kathleen Vance from New York.</p> <p>"In my work I distinguish forms that are indicative of growth and explore the variance between experiences of an authentic natural encounter vs. an inauthentic encounter. I look for the ways in which nature can be brought back into the course of one's daily life. I am intrigued by areas where manicured nature is being reclaimed by the wild. With my installations I engage viewers with the experience of a space being overtaken by natural elements. I bring discarded particles from forestry floor together to be revivified in my constructions."<br /> Kathleen Vance 2010</p> <p>For more information on art <span class="caps">KARLSRUHE</span> 2011 visit www.art-karsruhe.de</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2059 Exhibition: Jens Heller <div class="exhibition-subtitle">Neue Arbeiten</div> <div class="exhibition-dates">February 3 - March 19, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, February 3, 9:00 PM - 11:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1987"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/37/37758.jpeg" alt="" height="496" width="500" /></a> <p>Jens Heller, <em>Archont I: Distracted By Bumblebee From Cleaning The World Toilet</em>, 2010</p> <p> Oil on canvas, 80 x 80 cm </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>(English version below)</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, die erste Einzelausstellung mit Werken des Berliner Künstlers Jens Heller, in der Galerie zu zeigen. In dieser Ausstellung wird Jens Heller eine Serie von ,,Archonten" präsentieren. Die Bezeichnung von Archonten deutet auf eine Art Dämon hin, der in der Gnosis zum Statthalter der realen Welt eingesetzt wird. Allerdings könnte man die Gestallten nicht direkt als ,,böse" interpretieren, sondern eher als gewissenlos, was oft auf dasselbe hinausläuft. <br /> <br /> Bedingt durch die Accessoires, welche die Archonten im Werk umgeben, werden Sie in die Gegenwart katapultiert. Die Bildtitel verweisen auf eine gewisse Fehlbarkeit und abstrakte Interpretation hin. <br /> <br /> Der Künstler fokussiert, in den gezeigten Werken hauptsächlich auf den Faltenwurf der Roben der Archonten. Bedingt durch die Darstellung, stellt sich die Frage, ob überhaupt etwas unter dem Stoff existiert. <br /> Jens Heller arbeitet rein formal gesehen figurativ, sehr klassisch und mit Techniken, die sich zum Teil zurückführen lassen auf Barock- oder Renaissancemalerei. Die Reichhaltigkeit der Stoffe ist wieder findbar in den Werken vom Renaissance Maler Lorenzo Lotto. Dieser benutze scharfe Konturen <br /> und satte Farben um den Stoffen eine visuelle Realität zu verleihen. In der Gestaltung der Szenen durch die Hell-Dunkel-Malerei, ist ein Einfluss von Caravaggio zu erkennen, in die, die Figuren mit ungewohnter Lebensähnlichkeit gesetzt werden. Diese scheinbare Technikverliebtheit, unökonomische Zeitvergeudung und Anstrengung dient nur einem Ziel: Einerseits die Oberfläche des Bildes so glatt und duktusfrei wie möglich zu <br /> halten, und sich gleichzeitig in eine klassische Tradition der Bildherstellung einzureihen. <br /> <br /> ,,Ich hingegen betone eine existentielle Bezugslosigkeit. Je glatter die Oberfläche ist, je ausformulierter, glänzender oder <br /> durchgestalteter, desto deutlicher wird das Vakuum dahinter. Eine Schwärze oder ein Nichtzusammenhängen der Dinge miteinander. Das ist für mich das Abstrakte." <br /> <br /> Die Methoden, die Jens Heller benutzt um die gewünschten Absichten in seinen Arbeiten wiederzugeben, sind die Darstellung von Szenerien voller ,,Dinge", die sich nur widerwillig zusammenfügen. Obwohl auf einem Bild, wirken sie ,,collagiert" oder zusammengezwungen. Man kann dies als Aufforderung lesen, sich eine eigene Geschichte auszudenken, die einen ,,Sinn" ergibt und sich so selbst einen ,,Bezug" bilden. Allerdings wird es nie ein Feedback geben, und das ,,Nichts" zwischen den Gegenständen bleibt doch fühlbar. <br /> <br /> "Figurativ und abstrakt sind für mich sehr oberflächliche Kategorien - man kann mit Figuren ebenso abstrakt umgehen wie in abstrakter oder konkreter Methodik etwas illustrieren. Oder Malerei als konzeptuelle Haltung betreiben und unfrei arbeiten und dabei anarchisch. Für mich fällt all das zusammen." <br /> Jens Heller, 2011 Berlin, Germany <br /> <br /> Wir freuen uns auf Ihren Besuch und laden Sie und Ihre Freunde herzlich zu der Ausstellungseröffnung am Donnerstag,03.Februar, 2011 um 21 Uhr ein. <br /> <br /> English version:</p> <p>Galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to present our first solo exhibition of the Berlin Artist, Jens Heller. In the exhibition Heller presents his Archonten series. The Archont is a demonic character that has been taken from the spiritual, mythological world and brought into the real world through his paintings. However one can interpret the scenes and characters as being not directly `evil', but as `thoughtless' or `consciousless', which often adds up to the same thing. </p> <p>Heller's approach to the canvas is strongly linked to the Renaissance and Baroque. There is a dramatic and selective use of chiaroscuro and an acute attention to surface detail. His realistic and empathetic works, filled with distinctive sharp lines and vivid colours create visually rich paintings, and the symbolic use of objects characters evokes a dark, mysterious intangibility to do with the atmosphere and narrative.</p> <p>"For me Figurative and Abstract are very superficial categories - one can equally abstract the figure as illustrate something using abstract or concrete methods. Or as Painters who work with a conceptual attitude and according to fixed rules, despite being anarchist. For me, everything comes together."<br /> Jens Heller. 2011 Berlin, Gemany</p> <p>We look forward to seeing you and invite you to the Opening on Thursday, 3rd February, 2011 at 9pm.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1987 Exhibition: Club Palenquita Island <div class="exhibition-subtitle">DAS Weekend: DIGITAL ART + SOUND WEEKEND</div> <div class="exhibition-dates">January 29 - January 30, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Saturday, January 29, 8:00 PM - 11:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2036"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/39/39418.jpeg" alt="" height="140" width="200" /></a> <p>Club Palenquita Island, <em>Club Palenquita Island</em>, 2011</p> <p> </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Designed as a walk-through installation and performance, "Club Palenquita Island" stands for a critical investigation of the island as a popular utopia and signifier of not-here, remoteness and seclusion. Media-driven constructions of islands are negotiated through performances, readings, installations, films and musical interventions, located on "islands" throughout the gallery. The audience finds itself in the role of a tourist group wandering through island phantasms ranging from colonialism to the all-encompassing, digital mapping of the World by GoogleEarth. As these different insularities begin to intersect and compete with each other, contributing artists will become co-performers inside the free market of islands.</p> <p>Im Rahmen einer großflächig begehbare Installation und performative Anordnung steht ,,Club Palenquita Island" für die Auseinandersetzung mit der Insel als Massenglücksversprechen und Chiffre des Nicht-Hiers, der Ferne und der Abschottung. Mediale Konstruktionen von Inseln werden auf mehreren, im Raum verteilten ,,Inseln" in Performances, Textvorträgen, Installationen, Film- und Musikdarbietungen verhandelt. Das Publikum befindet sich in der Rolle einer Touristengruppe und durchwandert Inselphantasmen vom Kolonialismus bis zur allgemeinen medialen Welterschließung durch GoogleEarth. Im Überkreuzen der einzelnen Inselentwürfe wird die Quasi-Marktkonkurrenz seitens der Beitragenden mitperformt.</p> <p>Johann Reißer </p> <p>Johann Reißer wird als Kreuzfahrtschiffssteward die Besucher durch die einzelnen Performances und Installationen nach Palenquita Island leiten. Auf dem Weg ins Nicht-Hier stehen ihm die Kreuzfahrtsschiffsstewardess Kamila Handzik, die Sprachwelt der Tourismusbranche und die musikalische Massenglücksversprechen zwischen Bora Bora und Hausmeisterstrand zur Seite. 2010 gewann Johann Reißer mit der Performance-Gruppe PlastikWorks den Jurypreis beim 100 Grad Berlin Theaterfestival. </p> <p>Johann Reißer will be a cruise ship steward guiding the audience through different performances and installations on the way to Palenquita Island. On the way to not-here he is supported by cruise-ship stewardess Kamila Handzik, the language of tourism-business and pop-songs promising happiness for everyone on beach paradises between from Bora Bora to Spring Break. 2010 Johann Reißer won the jury award with the performance group PlastikWorks at the 100 Grad Berlin theatre festival. </p> <p>Thomas Ballhausen</p> <p>Der Wiener Autor Thomas Ballhausen liest aus seinem Band <br /> "Bewegungsmelder" (Haymon Verlag, 2010) und einem neuen Manuskript. Die Texte kreisen um die Themenfelder Reise, Flucht, Insulares und (gescheiterte) Utopien, und jonglieren mit den Ansätzen des Driftens und Isolierens. Das Auslegen und Lesen von Spuren gerät dabei zur Konstante.</p> <p>Vienna-based author Thomas Ballhausen will be reading from his book "Bewegungsmelder" (Haymon Verlag, 2010) and from a new manuscript. The texts touch upon the themes of travel, flight, insularity and (failed) utopias, while juggling with drifting and isolating as literary means. The leaving and reading of traces emerges as a constant preoccupation.</p> <p>Benedikt Stegmayer</p> <p>Benedikt Stegmayer präsentiert in einer Performance die künstlich angelegten Inselgruppen der ,,Palm Islands" vor Dubai und versucht, Immobilien auf diesen zu verkaufen. Nach der Performance stellt er den Ausstellungsbesuchern kostenlose Optionsscheine für künstliche Inseln aus.</p> <p>Benedikt Stegmayer will present a performance that introduces the audience to the artificial ,,Palm Islands"off the coast of Dubai and try to sell real estate on these islands. After the performance he will issue free warrants for artificial islands to the audience.</p> <p>Julia Trompeter und Xaver Römer</p> <p>Julia Trompeter und Xaver Römer präsentieren diversierende Beiträge: JT singt und XR begleitet. JT + XR sprechen Duette, einmalig unterstützt durch den Chor anteiliger Palanquiter. XR präsentiert ein Handyterzett als Shareware mit Dokumentation.</p> <p>Julia Trompeter and Xaver Römer will present diverse and diverging performances: JT sings and XR accompanies. JT + XR speak duets, supported by a choir of participating Palenquitans. XR presents a mobile-telephone trio configured as shareware with documentation.</p> <p> </p> <p>Julia Seyr<br /> Stefanie Wuschitz <br /> Fabian Faltin</p> <p>Die wiener Künstlerinnen Stefanie Wuschitz (www.grenzartikel.com) und Julia Seyr (http://juliaseyr.blogspot.com) werden gemeinsam mit dem Autor Fabian Faltin (www.gutemacht.com) eine utopische Insel für kollektives Zeichnen installieren und bewohnen. Die Zeicheninsel wird den ganzen Abend lang schwimmen und ist offen für alle. Die Kollektivzeichnungen werden in Echzeit in der Galerie ausgestellt.</p> <p>Vienna-based artists Stefanie Wuschitz (www.grenzartikel.com) and Julia Seyr (http://juliaseyr.blogspot.com) together with author Fabian Faltin (www.gutemacht.com) will be setting up and inhabiting an island dedicated to the utopian practise of collective drawing. The drawing island will remain afloat throughout the evening and is open to all. The collective drawings will be exhibited in real-time in the gallery.</p> <p>Jinn Pogy</p> <p>Jinn Pogy fand Palenquita 2009 im Internet auf der Suche nach Islands for Sale. Das darauf entstandene Gedicht Palenquita, Palenquita, wurde 2010 im Poetmag 09 und auf der Webseite des poetenladens veröffentlicht und erscheint 2011 auch im Lyrik-Debüt ,,Golems Totems" (im J. Frank Verlagshaus Berlin). Es wurde ins Spanische übersetzt und erscheint u.a. zur Buchmesse Guadalajara 2011, Mexico (Gastland: Deutschland) in einer deutsch-spanischen Anthologie. In der Galerie Open wird das Gedicht Palenquita verdinglicht, erfährt die Metamorphose vom Text zur manifesten Installation und wird so visuell und haptisch erfahrbar.</p> <p>Jinn Pogy located Palenquita in 2009, while searching online for Islands for Sale. Her poem Palequita, Palenquita was then published in 2010 in the german literaturemagazin poetmag#09 and online in poetenladen.de. In 2011 it also appears in her first poetry-book ,,golems totems" (at J. Frank Verlagshaus Berlin). It was translated into spanish and will be also published in 2011 in a german-spanish anthology for the book fair Guadalajara, Mexico (host country: Germany). In the galery the poem Palenquita will be concretised, in a metamorphosis from text into installation it becomes a visual and haptic experience.</p> <p>Lechner + Momm</p> <p>Diese beiden Buben, sie nennen sich Lechner und sie nennen sich Momm, schiffen sich ein zu einer Insel voller Bananen und Schnee und Gewalt, die da heißt: Film, ihr Freunde, und es ist nichts auf dieser Erde, die durchs schwarze Weltall kreist, als dieser Inselfilm, der die Vielheit, verdammte Axt, das Glück gebiert, für das wir uns lächelnd die Arme abhacken.</p> <p>These two boys, they are traveling to an island of darkness, oh no, of bananas, oh yes, it's an island of dark, of black bananas, from which no holy, or unholy, banana-joe will ever return as a single person with a single mind and a single red and dirty nose, my dear. Änd of course it's all nothing, nothing less but a: film!</p> <p>Dima Katsiuba </p> <p>Dima Katsubia wird improvisierte tropische Melodien sowie populäre Südsee-Klassiker auf seiner wunderschön klingenden Caisa spielen.</p> <p>Dima Katsiuba will be playing improvised tropical melodies as well as popular songs from the southern seas on his beautifully-sounding caisa.</p> <p>Benedikt Wahner</p> <p>Wo treffen sich Kant, Deleuze und das Nintendo-Computerspiel Zelda? Auf der Insel natürlich, wie die Lecture-Performance von Benedikt Wahner zeigen wird.</p> <p>Where do Kant, Deleuze and the Nintendo-Computergame Zelda meet? At the island of course, as Benedikt Wahner's lecture-performance will demonstrate.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2036 Exhibition: Pull the Plug <div class="exhibition-subtitle">DAS Weekend: DIGITAL ART + SOUND WEEKEND</div> <div class="exhibition-dates">January 27 - January 28, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, January 27, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2035"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/39/39417.jpeg" alt="" height="280" width="500" /></a> <p>Annesley Black and Sophie Narr, <em>Film still from Pull the Plug</em>, 2010</p> <p> </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p><span class="caps">PULL THE PLUG</span><br /> A garden can be defined as a piece of land that contradicts its natural environment, cared for and designed by humans. Thus, Venice and Las Vegas could be compared to gardens. Venice, the city built in water. Las Vegas, the city in the middle of the desert. <br /> Freely interpreting the desire expressed by Rose Ausländer - "My Venice is Not Sinking", the film Pull the Plug deals with the relationships between these two cities to their synthetic nature, and their dependency on water.</p> <p>Ein Garten kann als Stück Land definiert werden, das seiner natürlichen Umwelt widerspricht, er wird gepflegt und entworfen von Menschen Hand. So könnten Venedig und Las Vegas mit Gärten verglichen werden. Venedig, die Stadt welche im Wasser errichtet worden ist. Las Vegas, die Stadt mitten in der Wüste. Wenn man den zum Ausdruck gebrachten Wunsch von Rose Ausländer frei interpretiert - ,,mein Venedig ist nicht am sinken". Der Film, Pull the Plug setzt sich mit den Verhältnissen zwischen diesen beiden Städten auseinander, ihrer synthetisch aufgebauten Natur und ihre Abhängigkeit von Wasser.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2035 Exhibition: Zachary Fabri - NOT COOL: Out of Balance <div class="exhibition-subtitle">Adventus: The Final Performance. Jesus Christ, Santa Claus and Zwarte Piet Walk into a Bar</div> <div class="exhibition-dates">December 19 - December 19, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Sunday, December 19, 2:00 PM - 4:30 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2021"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/39/39117.jpeg" alt="" height="332" width="500" /></a> <p>Zachary Fabri, <em>Adventus: The Final Performance</em>, 2010</p> <p> </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to present the final performance of the Adventus performance series. <br /> You and your friends are invited this Sunday to witness a new solo performance by Zachary Fabri titled "Jesus Christ, Santa Claus and Zwarte Piet Walk into a Bar". The artist creates this abstract narrative starring a familiar cast of characters including, Jesus Christ, Santa Claus and Zwarte Piet. With choreographed and improvised movements, light and sound, Zachary Fabri transforms the galerie into a sanctuary and stage.</p> <p>If you have not seen the performances before - this one is a must <span class="caps">SEE </span>and your final chance!</p> <p>---</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rocklemann freut sich die finale Performance, aus der Adventus Serie, anzukündigen. <br /> Sie und Ihre Freunde sind diesen Sonntag herzlich eingeladen, um eine neue Solo Performance von Zachary Fabri, mit dem Titel "Jesus Christ, Santa Claus and Zwarte Piet walk into a Bar" zu betrachten. Der Künstler kreiert eine abstrakte Narrative mit bekannten Charakteren, wie Jesus, der Weihnachtsmann und Zwarte Piet. Zachary Fabri transformiert die Galerie in einen Ort der Zuflucht und Bühne, durch choreographierte und improvisierte Bewegungen, Licht und Klang.</p> <p>Im Falle, dass Sie die vorherigen Performances nicht gesehen haben, ist es Ihre letzte Möglichkeit die Einzigartigkeit von Zachary Fabri's körperlichen Interpretation zu erleben.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2021 Exhibition: Zachary Fabri - NOT COOL: Out of Balance <div class="exhibition-subtitle">Adventus: The Second Performance</div> <div class="exhibition-dates">December 5 - December 5, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Sunday, December 5, 2:00 PM - 4:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2012"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/39/39783.jpeg" alt="" height="352" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Turning Points: <br /> a table, two chairs, paper, pens, interested visitors <br /> and the artist herself.</p> <p>For the second performance in the Adventus series Zachary Fabri has invited Juliane Zelwies:</p> <p>Juliane will be asking visitors interested in participation to describe what they retrospectively understand as turning points in their life. Together with them she will map the outcome of these private conversations with paper and pencil.</p> <p>In this way the participant is given the possibility to share a personal experience anonymously with a stranger. At the same time the artist gains insight on how people describe their personal stories to someone.</p> <p>On December the 5th, Zachary Fabri will be the first person Juliane will have a conversation with. Everyone is welcome to participate afterwards.</p> <p>Please contact: mail@juliane.de to participate!</p> <p>About Juliane Zelwies:<br /> Juliane is a Berlin based artist, who deals in her video installations, short films and drawings with social and cultural phenomena of our society. In her performances, she initiates and radicalizes social situations to explore the limits and possibilities of human communication and interaction.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2012 Exhibition: Zachary Fabri - NOT COOL: Out of Balance <div class="exhibition-subtitle">Adventus: The First Performance</div> <div class="exhibition-dates">November 28 - November 28, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Sunday, November 28, 2:00 PM - 4:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/2018"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/39/39138.jpeg" alt="" height="333" width="500" /></a> <p>Linnea Saasen, <em>Adventus: The First Performance</em>, 2010</p> <p> Performance, </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>The first performance in the Adventus series is a collaboration between artist Linnea Saasen and Zachary Fabri, which investigates the concept and real-time experience of waiting. <br /> They have created a sequence of actions and non actions, which demonstrate and deconstruct the concept of linear time as experienced by the audience.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/2018 Exhibition: Zachary Fabri - NOT COOL - Out of Balance <div class="exhibition-subtitle">NOT COOL: Out of Balance</div> <div class="exhibition-dates">November 4, 2010 - January 22, 2011</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, November 4, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1983"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/38/38800.jpeg" alt="" height="332" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, die erste solo Ausstellung mit neuen Werken des New Yorker Künstlers Zachary Fabri vorzustellen. In der Ausstellung <span class="caps">NOT COOL</span>: Out of Balance, werden eine Reihe von Videos und Performances des Künstlers gezeigt, die sich auf das Unbehagen beziehen, das manchmal unter der Oberfläche des Glückes liegt. Der Titel bezieht sich auf die subtile und häufig offenkundige Beklommenheit in seinen Videos und Performances. Das englische Wort Cool ist international und durch das häufige Erscheinen in den Medien für fast Jeden ein Begriff. Cool impliziert prinzipiell, dass alles in Ordnung ist. Aber häufig wird dieses Wort verwendet, um echte Gefühle zu verdecken, die in der Regel komplex und manchmal sogar unlösbar erscheinen. Indem Zachary Fabri den Titel <span class="caps">NOT COOL </span>verwendet, kommuniziert er direkt mit seinen Betrachtern, dass etwas falsch verlaufen und etwas aus dem Gleichgewicht geraten ist. In seiner Arbeit werden verschiedene Thematiken wie Rassenunterschiede, Klassentrennungen, Religion und Volkskultur angeschnitten, erforscht, dekonstruiert und abstrahiert. Humor und auf das Eigentliche reduzierte Poesie, sind immer wie- derkehrende Aspekte, die es zulassen, dass der Betrachter einen Einblick in seine Arbeiten erhält. Obgleich nicht immer offensichtlich, befindet sich unter der Oberfläche ein Ungleichgewicht - eine Unstimmigkeit.</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to announce the first solo show in the gallery, with new works of the New York artist Zachary Fabri. In the exhibition <span class="caps">NOT COOL</span>: Out of Balance, he presents a collection of videos and performances, which refer to the unease, that sometimes lies beneath the superficial skin of happiness. The title refers to the subtle and often overt anxiety in his videos and performances. The English word Cool is almost internationally understood from its use in popular media. Cool always implies that everything is fine, but often this word is used to mask true feelings, which are always more complicated and sometimes ill. By using the title Not Cool he is directly communicating to the viewer that something has gone awry, that something is out of balance. In his work, the intersection of themes such as race, class, religion and popular culture, are explored, deconstructed and abstracted. Humor and minimal poetic language are reoccurring devices in his work, which allow the viewer to enter the work on a surface level. Although not always apparent, just below that level, something is amiss.</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>presents <span class="caps">ADVENTUS</span></p> <p>During his solo exhibition <span class="caps">NOT COOL</span>: Out of Balance, artist Zachary Fabri will present four new live performance works for each Sunday of Advent. Also performing will be artist Linnea Saasen as well as other special invited artists.</p> <p>Schedule of Performances 2010 </p> <p>Sunday, November 28, Zachary Fabri, Linnea Saasen <br /> Sunday, December 5, Zachary Fabri, special guest <br /> Sunday, December 12, Zachary Fabri, special guest <br /> Sunday, December 19, Zachary Fabri </p> <p>All performances 14 Uhr bis 16 Uhr</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1983 Exhibition: Kathleen Vance - Out of the woods <div class="exhibition-subtitle">From the 'Boundsticks' series</div> <div class="exhibition-dates">September 9 - October 30, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, September 9, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1953"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/36/36799.jpeg" alt="Installation shot 'Boundsticks' in galerie OPEN" height="280" width="500" /></a> <p><p>Installation shot 'Boundsticks' in galerie <span class="caps">OPEN</span></p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, "Out of the Woods", die zweite Einzelausstellung mit Werken von der New Yorker Künstlerin Kathleen Vance, zu zeigen. In dieser Ausstellung wird Kathleen eine experimentelle Installation aus der Serie "Boundsticks" und eine Auswahl von Zeichnungen aus dem Grunewald präsentieren. Die raumspezifische Installation wird den Betrachter in seiner Wahrnehmung und Erfahrungen mit der wilden Natur des Waldes einbeziehen, und Bezug auf Konzepte der Erhaltung der Umwelt nehmen. Ergänzend zu der Installation wird Frau Vance Zeichnungen präsentieren, zu welchen sie durch Details von Sammelstellen im Grunewald inspiriert wurden. Ihre komplexen Strichzeichnungen destillieren die Atmosphäre der Umgebung, von den Baumkronen bis zum Waldboden.</p> <p>"In meiner Arbeit nehme ich Wachstum, andeutende Formen wahr und erkunde die Unterschiede zwischen Erfahrungen mit einer authentischen, natürlichen Begegnung und unauthentischen Begegnung. Ich suche Wege, die Natur zurück in das alltägliche Leben bringen zu können. Gebiete, in denen die wilde Natur ihre Herrschaft über einst kontrollierte Landschaft zurückfordert, faszinieren mich. Mit meinen Installationen konfrontiere ich den Betrachter mit der Erfahrung wie ein Raum durch natürliche Elemente eingenommen wird. Vom Waldboden lese ich verworfene Partikel auf, um diese in meinen Konstruktionen zu neuem Leben zu erwecken."</p> <p>"Mit unterschiedlichen Arten des Sammelns, tauche ich tief in bewaldete Gebiete ein und verbinde mich mit den von der Natur geschaffenen Lebensräumen."</p> <p> "Mit dieser Installation versinnbildliche ich die Erhaltung natürlich bewaldeter Flächen, denn urbane Ausbreitung greift die Natur an und mein Ziel ist die Bedeutung der Erhaltung von einigen Naturschutzgebieten zu kommunizieren. Ohne diese Überlegung wird unsere Gesellschaft die Fähigkeit verlierend, sich mit authentischer Natur vertraut zu machen und wertvolle Gebiete des Wachstums werden in künstliche Erholungsgebiete umgewandelt, welche das wahre Wachstum nur imitieren. "<br /> Kathleen Vance 2010</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, Sie und Ihre Freunde zur Eröffnung der Ausstellung von Kathleen Vance einzuladen - "Out of the Woods" Donnerstag 9. September von 19-22 Uhr. Für weitere Informationen wenden Sie sich bitte an Alexandra Rockelmann: Telefon 030 27 58 28 10 oder E-Mail galerie-open@galerie-open.net.</p> <p>-----------------------------------------------------</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to present "Out of the Woods" the second solo exhibition of works by Kathleen Vance. In this exhibition Kathleen will be presenting an experiential installation from her series "Boundsticks" and a selection of drawings from the Grunewald forest. The site specific installation will engage the viewer in her perception of the experience of the wild nature of the forest, referencing concepts of conservation and the environment. Complementing the installation, Vance will be presenting drawings inspired by elements from collection sites in the Grunewald forest. Her intricate line drawings distill the atmosphere of the environment, from the canopy of the trees to the forest floor.<br /> "In my work I distinguish forms that are indicative of growth and explore the variance between experiences of an authentic natural encounter vs. an inauthentic encounter. I look for the ways in which nature can be brought back into the course of one's daily life. I am intrigued by areas where d nature is being reclaimed by the wild. With my installations I engage viewers with the experience of a space being overtaken by natural elements. I bring discarded particles from forestry floor together to be revivified in my constructions."<br /> "With a varied site collection process, I immerse myself deep into wooded areas and forestry points, engaging with the habitat that has been created by nature." </p> <p> "With this installation I champion the preservation of forestry areas, and as urban sprawl attacks countryside's, I aim to communicate the importance to retain some areas as natural reservations. Without this consideration, our communities will loose their ability to commune with authentic nature and the precious areas of growth will be transformed into artificial recreations that mimic true growth."<br /> Kathleen Vance 2010</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to invite you and your friends to the <span class="caps">OPEN</span>ing of Kathleen Vance's exhibition - "Out of the Woods" Thursday September 9th from 7-10pm. For more information please contact Alexandra Rockelmann by phone 030 27 58 28 10 or E-Mail galerie-open@galerie-open.net.</p> <p><br /> <script type="text/javascript">var addthis_config = {"data_track_clickback":true};</script><br /> <a class="addthis_button" href="http://www.addthis.com/bookmark.php?v=250&username=galerieopen"><img src="http://s7.addthis.com/static/btn/v2/lg-share-en.gif" width="125" height="16" alt="Bookmark and Share" style="border:0"/></a><script type="text/javascript" src="http://s7.addthis.com/js/250/addthis_widget.js#username=galerieopen"></script> </p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1953 Exhibition: Una Tittel presents 'THY KINGDOM CAME' <div class="exhibition-subtitle">Do-Sa 14.00-18.00</div> <div class="exhibition-dates">August 6 - August 30, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, August 5, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1923"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/34/34732.jpeg" alt="" height="500" width="500" /></a> <p>Una Tittel, <em>Una Tittel</em>, 2010</p> <p> </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Wir freuen uns, die erste Ausstellung von Una Tittel, ein Netzwerk Multidisziplinären Künstler, Designer und Kuratoren, welche in Berlin, London und in Glasgow leben, zu verkünden. Diese Ausstellung wird in der galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann stattfinden, welche junge Kunst fördert und sich Verpflichtet Ihrer anzunehmen, denn Kunst verbindet und ist eine Notwendigkeit.<br /> Una Tittel zeigt Arbeiten von Lauren Robbins// Linnea Snasen// Lucie Red// Kate Mackeson// Ryan Heus und Zoe Williams, 5 junge internationale Künstler welche "THY <span class="caps">KINGDOM CAME </span>" präsentiert.</p> <p>"EINE <span class="caps">GRUPPENAUSSTELLUNG, </span>die den Begriff des Verlustes und die Mehrdeutigkeit der Bedeutung erforscht. Traditionen und Werte tragen eine persönliche Nuance mit sich, Bedingt durch die Herkunft und Aufbringung eines einzelnen, `THY <span class="caps">KINGDOM CAME </span>zielt darauf hin sich nach vorne blickend zu orientieren, jedoch nicht das vergangene in Vergessenheit geraten zu lassen und analysiert wie man diese Strukturen und Glaube in der zeitgenössischen Kultur wiederfindet. Die Transparents und Aufgeklärtheit unserer Umwelt verspricht und sagt voraus wie man sich zu verhalten und Ansichten zu deuten hat."</p> <p>Sie und Ihre Freunde sind herzlich eingeladen, zum Abend der Eröffnung mit einer live Performance, Musik welche speziell für Una Tittel angefertigt worden ist von Dolby Ano und einem Glas Wein, um die Premiere und die fortfahrende Zusammenarbeit von Una Tittel zu zelebrieren. <br /> ---------------------------------------------------</p> <p>We are pleased to announce the first show of Una Tittel, a network of multi disciplinary artists, designers and curators, based in Berlin, London and Glasgow. This show will be hosted by galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann, promoting their commitment and ongoing support towards young/ newly emerging artists.</p> <p>Una Tittel will be showcasing the works of Linnea Snason// Lucie Red// Kate Mackeson// Ryan Hays and Zoe Williams, 5 young international artists present 'THY <span class="caps">KINGDOM CAME</span>'.</p> <p>"A <span class="caps">GROUP SHOW </span>exploring the notion of loss and the ambiguity of meaning. Traditions and values steeped in personal nuances and existential analysis, `THY <span class="caps">KINGDOM CAME</span>' aims to emphazize moving forward, taking with us what has gone before and how we assimiate these structures and beliefs in contemporary culture. What they foretell and promise in an unpredictable environment of demystification."</p> <p>Please join us on the opening night for live performance, music designed especially for Una Tittel by Graham Peel and a glass of wine to celebrate the launching night and the continuing collaboration of Una Tittel.</p> <p><br /> <script type="text/javascript">var addthis_config = {"data_track_clickback":true};</script><br /> <a class="addthis_button" href="http://www.addthis.com/bookmark.php?v=250&username=galerieopen"><img src="http://s7.addthis.com/static/btn/v2/lg-share-en.gif" width="125" height="16" alt="Bookmark and Share" style="border:0"/></a><script type="text/javascript" src="http://s7.addthis.com/js/250/addthis_widget.js#username=galerieopen"></script> </p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1923 Exhibition: Yassine ‘YAZE’ Mekhnache <div class="exhibition-subtitle">Paintings 2010</div> <div class="exhibition-dates">June 3 - July 30, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, June 3, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1916"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/34/34597.jpeg" alt="YAZE infront of his works - Mixed media on silver paper." height="380" width="500" /></a> <p><p><span class="caps">YAZE </span>infront of his works - Mixed media on silver paper.</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Yassine `YAZE' Mekhnache<br /> New Works and Installation<br /> June 3rd until July 30th 2010<br /> Opens Thursday June 3rd, 7-9 pm</p> <p>We are pleased to announce Yassine `YAZE' Mekhnache. A young Parisian painter, his unique visceral scrawl that once emblazoned the streets and now the canvas is coming to Berlin for his first solo show. `YAZE' is showcasing his diverse talents at galerie <span class="caps">OPEN.</span> Expect to see <span class="caps">YAZE</span>'s unparalleled and emotive take on portraiture, sponges and branding in the form of his legendary large scale drawings, abstract faces, installation and of course his trademark crimson. All new works produced here in Berlin just for this show. Please join us for the opening night and enjoy a nice cold Bloody Mary.</p> <p>"If I had to evoke <span class="caps">YAZE </span>work in only one word, I would, abruptly, use "Tear". I am not sure it is the most appropriate to give an account of an already impressive and growing work. But this is what comes immediately to my mind, in front of these huge portraits, all together laid out and destroyed, built and struck out, subjacent and enriched with scars, but always present, obsessive, in their original vigor. (...) One can feel in this torrent of creation a violence that was previously expurgated by the artist on the fronts, vertical and free spaces of the cities, on the leprous parking and blackened station walls. Graffiti, tags, have been Yassine "YAZE" Mekhnache first writing exercises. As for Jean-Michel Basquiat when he started in Soho streets the cruel and bewitching Samo saga, before Andy Warhol gave him the taste for cloth painting. In certain ways, while reading his impressive paintings, I place <span class="caps">YAZE </span>in what is for me the family of immense artists like CY Twombly -where what is<br /> unspoken, suggested, creates poetry, Georg Baselitz -whose power knocks down all norms, Yan Pei-Ming -who translates the savagery of the World... there could be worse company... <span class="caps">YAZE </span>has sublimated his rough learning of street art. He masters his pulsions by canalizing them on the huge white pages of his frames. But art is born out of constraint, ensured André Gide. And in his self-imposed constraints, <span class="caps">YAZE </span>thrills his own personal fury. This is what matters to us. What does it unveil? What does it hide? What does it tell us? About him, about the world we are living in? The painter does not need words to convince us of his passion for the world. To suggest what he feels, what he suffers, what he loves. At 26, through his painting, his defensive weapon and his language, <span class="caps">YAZE </span>imposes his truth upon us. It is truly moving. "</p> <p>a text by Jacques Bouzerand, French art critic, 2006</p> <p><fb:like-box profile_id="90949578531"></fb:like-box></p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1916 Exhibition: Human Architecture <div class="exhibition-subtitle">Konzeptionelle Interpretation</div> <div class="exhibition-dates">April 8 - May 27, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, April 8, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1895"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/33/33549.jpeg" alt="Stephan Sahm and Florian Japp" height="706" width="500" /></a> <p><p>Stephan Sahm and Florian Japp</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>,,Architektur ist, unabhängig davon, wie profan oder anspruchsvoll der Zweck ist, dem sie dient, letztlich die Gesamtheit der durch Menschenhand veränderten Umwelt und damit eine kulturelle Leistung der Menschen." - Meinhard von Gerkan 1982 in: Die Verantwortung des Architekten</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is delighted to present the group exhibition "Human Architecture" with works from Katja Buchholz, Florian Japp, Jens Heller, Rebecca Loyche, Stephan Sahm, Yassine 'YAZE' Mekhnache and Filip Zorzor. <br /> Human Architecture is an exhibition showing the relations(lines) between art and architecture, artists and architects. <br /> The artists start their ideas working with sketches and the architects with their blueprints, both wanting to for fill either a physical or an intellectual need.<br /> Viewing the table that is made by Katja Buchholz, one can see a wonderful human invention, where humans can meet and many ideas come alive. </p> <p>We can look at "Human architecture" from two different sides. <br /> You have the architecture which you can see everywhere where humans are living, the city, the roads, the houses, the interior and so on. All this has a physical purpose and serves a physical human need. <br /> And everyone gets influenced by this human landscape in some way. Artists and architects takes what is there and put it in to new ideas and works. </p> <p>The other side of "Human architecture" is how we humans create an environment in our own eyes, and also how we make new artificial needs. <br /> This we can see in the pictures of Stephan Sahm. They look pretty, but they are the farthest away we can get from the natural environment of mice or hamster. It is a "need" made to please humans and in this case the consumer. And this might be a very accurate image of our society?!</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1895 Exhibition: Filip Zorzor at Art Karlsruhe 2010 <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">March 4 - March 7, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Wednesday, March 3, 2:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1874"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/32/32789.jpeg" alt="Booth set up" height="666" width="500" /></a> <p><p>Booth set up</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Besuchen Sie uns in Halle 4 Stand <span class="caps">L03.1, </span>um die Werke von Filip Zorzor zu besichtigen.</p> <p>Filip Zorzor filtert das Besondere und Einzigartige an Orten und Situationen, um es als festgehaltene Empfindungen in seine Malerei einfließen zu lassen.<br /> Zahlreiche Schichtungen von Oberflächen und Texturen und der sich durchdringenden Formen in den Ebenen des Bildraums ergeben die gewollt landkartenähnliche Erscheinung der Bilder.<br /> Der rhythmische Wechsel zwischen konstruiert-urbanen und amorph-natürlichen Formen assoziiert die beobachteten Ironien und Absurditäten der realen Welt, um hiermit ihre Seele wiederzuspiegeln.</p> <p>-------------------------------------</p> <p>Come and visit us in Hall 4 stand L 03.1, in order to see the works of Fillip Zorzor in person.</p> <p>Filip Zorzor filters the special and uniqueness of places and situations, in order to let it flow into his paintings and create a held moment. Numerous layering's of surfaces and textures and the penetrating forms in the levels of the image, results in the wanted map-like appearance of the pictures. The rhythmic change between designed-urban environment and natural amorphous forms, associates the observed irony and absurdities of the realistic world, in order to again-reflect hereby the soul.</p> <p>Opening hours:<br /> March 3rd Preview 14 - 17 and <span class="caps">OPEN</span>ing 17 - 21 o'clock<br /> March 4th - 6th 12 - 20 o'clock<br /> March 7th 11 - 19 o'clock</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1874 Exhibition: Fred Fleisher - TRY ME <div class="exhibition-subtitle">sweet to taste, but hard to swallow</div> <div class="exhibition-dates">January 30 - March 20, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Saturday, January 30, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1807"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/36/36923.jpeg" alt="Installation shot" height="375" width="500" /></a> <p><p>Installation shot</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to announce the second solo show of Fred Fleisher "TRY ME" in the gallery. The exhibition shows works of multi-media, provides the viewer with an invitation that at first appears safe, secure and easy to grasp. However, upon further investigation, this "invitation" reveals a world of manipulated narratives that reflect the intersection of American obsessions with those of the rest of the world. </p> <p>The last show at galerie <span class="caps">OPEN </span>from Fred Fleisher Apocalyptic Renovations, 2008, is, at heart, a statement about the screwed-up state of the world. To be human means to live with both the light and dark sides of the psyche, and redemption--or rather continual renovation--is key to self-realization. The new work presents some components of this process, describing and analyzing attitudes, belief systems, and individuals (heroes and villains alike). The subtitle of the show "sweet to taste, but hard to swallow" symbolizes the Angel standing on the earth with one foot and the other on the water and, like St. Johannes, in the Book of Revelation, Fred Fleisher needs to eat the book in order to gain the strength to see the good. . . however, this action can be hard to absorb.</p> <p>Fred Fleisher attempts to position himself at once within contemporary culture and as something of an outside observer. Casting a critical eye over the dominant paradigms of consumerism and mediocrity, he offers some possible antidotes.<br /> His practice often involves the use of found objects that are removed from their usual context and manipulated via a range of media including painting and drawing, sculpture, photography, and video. Elements of narrative and character are filtered and manipulated to facilitate new readings of particular objects and situations, especially those that reflect the intersection of American obsessions with those of the rest of the world.</p> become a Fan of galerie <span class="caps">OPEN </span>on Facebook<br /> <script src="http://static.ak.facebook.com/js/api_lib/v0.4/FeatureLoader.js.php/de_DE" type="text/javascript"></script><script type="text/javascript">FB.init("7d8992251655e54d61015d8155353508");</script><fb:fan profile_id="90949578531" stream="1" connections="10" width="300"></fb:fan><div style="font-size:8px; padding-left:10px"><a href="http://www.facebook.com/pages/Berlin/galerie-OPEN/90949578531">galerie <span class="caps">OPEN</span></a> on Facebook</div></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1807 Exhibition: Florian Japp - "AGGREGATE" <div class="exhibition-subtitle">CLOSING January 20th 2010 at 7pm</div> <div class="exhibition-dates">December 10, 2009 - January 23, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, December 10, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1806"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/30/30854.jpeg" alt="" height="607" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Florian Japps Objekte behaupten eine selbstverständliche Präsenz. Befreit von Akzidenzien, Hüllen und Mehrdeutigkeiten, treten sie klar, karg und ,,ungeschützt" in Erscheinung. Ihre kühlen Baupläne - Schichtung, Fächerung, Zentrierung - korrespondieren mit Anlehnungen an Naturwachstum und -wandlung. Oft sind es Mischformen, ablesbar in Machart, Material und Farbgebung.</p> <p>Sie sind uns fremd und vertraut zugleich, so als hätten wir sie vergessen und wiedergefunden. Ihre Zwecklosigkeit ist augenscheinlich, und wenn wir auch in den diffusen Gefilden der Erinnerungen, Vorstellungen und Ahnungen auf Analogien stoßen. Sinn und ,,Seele" der Objekte finden wir nur in ihnen selbst. Wir müssen sie betrachten, sie sind für uns gemacht.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1806 Exhibition: Birgit Ramsauer - Maulwürfe - <div class="exhibition-subtitle">Körperinterventionen in Architektur</div> <div class="exhibition-dates">October 29 - December 5, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, October 29, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1801"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/30/30436.jpeg" alt="Installation shot - Maulwürfe Serie, Homeless Project" height="359" width="500" /></a> <p><p>Installation shot - Maulwürfe Serie, Homeless Project</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich die erst Einzelausstellung mit Birgit Ramsauer, in der Galerie zu präsentieren. In der momentanen Ausstellung werden Photographien aus der ,,ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS" and ,,Maulwürfe", wie auch Lichtkästen von der ,,Paris in my mind" Serie gezeigt. Am Abend der Eröffnung ist die Künstlerin anwesend und veranstaltet eine live Performance.</p> <p>Birgit Ramsauer versteht sich im Wesentlichen als Performancekünstlerin, die nicht nur den eigenen Körper und die eigene Persönlichkeit in unterschiedliche gesellschaftliche Zusammenhänge stellt, sondern auch bewusst sichtbare Spuren hinterlässt. In der Tradition der amerikanischen und deutschen Performance Art, greift sie in fremde Kontexte ein und markiert die zufälligen Markierungen, die andere Menschen unbewusst hinterlassen.<br /> <br /> In Ihren Performances agiert sie als Moderatorin und visuelle Übersetzerin von alltäglichen, eher unscheinbaren menschlichen Handlungen, die sich überall auf der Welt abspielen können. Das achtlose Fallenlassen eines Einwickelpapiers auf der Straße ist für sie bereits - unbewusste - Performance, wie man im ,,ART : <span class="caps">HOME </span>- <span class="caps">LESS</span>" Projekt zu sehen bekommt, in dem sie New York Marseille, Moskau und Berlin bereist. Diese Spur markiert sie und hält sie gleich wie eine Archäologin fest als vergangenen Gestus. Gleichzeitig rekonstruiert sie ihre innere psychosoziale Struktur, die in diesem Falle aus einer der Umwelt und anderen Menschen gegenüber achtloser Verhaltensform besteht. </p> <p>Auf den ersten Blick könnte man ,,Paris in my mind" als malerische Arbeit bezeichnen. Doch ist die im Getümmel der Strasse bearbeitete Polaroidaufnahme, diese ,,Live-Zeichnung/Malerei", Teil einer Performance, die innerhalb dreier Minuten in einer lebendigen Grosstadtatmosphäre entsteht. Gelehnt an einen Pfahl oder auf einer Mülltonne übertragt sie Ihre Eindrücke, die sie umgebenden Gerüche, den Lärm, die Bewegung auf das Polaroid. Damit markiert und notiert sie spontan kleine ,,heterotopische Räume" der Metropole Paris. </p> <p>In Ihrer jüngsten Arbeit ,,Maulwürfe" (als Hommage an Günter Eichs Prosagedichte) setzt sie Ihren Körper in Zusammenhang zu einer meist monumentalen Innenarchitektur. Diese in Ihren Performances sichtbar werdende Divergenz von persönlicher und offizieller Emotionalität trägt oft eine bewusst humoristische Note. Die fotographisch dokumentierten Performances konvergieren in den Photographien zu Ikons einer neu erlebten Wirklichkeit von Architektur.</p> <p>Birgit Ramsauer ist 1962 in Deutschland geboren und hat Berlin und New York zu Ihrem Standort deklariert. Sie ist eine internationale Künstlerin, welche zahlreiche Ausstellungen vorzuweisen hat, wie auch Lehrtätigkeiten und Vorlesungen in Europa und <span class="caps">U.S.A.</span></p> <p>-------------------------------------------<br /> galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to present Birgit Ramsauer's first exhibition with the galerie. Her current show includes photographs from her "ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS" and "Moles" series, as well as light boxes from her "Paris, Baskirzev Grave" series.</p> <p>Ramsauer works with various media but is best known for her performances, documented with photography and <span class="caps">DVD. </span> These performances follow in the footsteps of early 20th century experimental film from the Dada, Surrealist and Constructivist movements. Often, she plays a central role in her films; however, equally as often, the locations, architecture, and every day objects serve as the leading "characters". Through these performances, she reveals that every day, mundane human actions and things have a much greater sociological and cultural relevance.</p> <p>Through Ramsauer's performance project "ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS", created in 1997, her visits to New York , Marseille, Moscow and Berlin , document unconscious, human actions. In her series "Paris, Baskirzev Grave" the artist visits various locations around Paris described in stories, taking Polaroids of them all. This series is a bit different because the photos are then painted, according to colors specically selected by the artist. Her latest body of work, "Moles", continues her exploration of the impact a common action has on the grander scheme of a society. "Moles", an homage to Günter Eichs' poem, shows the artist within architectural monuments, striking poses with her body in ways that creates deliberate humor. Ramsauer explains that her aim is to "bring awareness to certain characteristics that define the inner texture of a specific social environment". Each of her performances is documented with a photograph, freezing the action as evidence of the performance, and in this way, elevating the action to a tangible photograph which serves as an icon. <br /> <br /> Birgit Ramsauer was born in Germany in 1962 and has been based in Berlin since 1992. She is an international artist, exhibiting, lecturing and teaching in Europe and the <span class="caps">U.S.</span></p> <p><br /> <script type="text/javascript" src="//static.woopra.com/js/woopra.v2.js"></script><br /> <script type="text/javascript"> woopraTracker.track(); </script><br /> </p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1801 Exhibition: Udo Scheel - "Unsagbar schön" <div class="exhibition-subtitle">The Closing will be held the 23rd of October at 7pm</div> <div class="exhibition-dates">September 4 - October 24, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, September 4, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1777"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/27/27201.jpeg" alt="" height="251" width="500" /></a> <p>Udo Scheel, <em>Fang</em>, 2004</p> <p> Öl auf Leinwand, 200 x 400 cm </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Die galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann stellt den Maler Udo Scheel aus. Am 4. September 2009 um 19.00 Uhr laden wir Sie herzlich zu der Eröffnung: Udo Scheel ,,Unsagbar schön", Malerei, ein. Timm Ulrichs führt in die Ausstellung ein. Damit nicht genug. Im Anschluss zeigen wir Timm Ulrichs und Udo Scheel hält die Eröffnungsrede. Zwei hoch renommierte Künstler, Professoren der Kunstakademie Münster (bis 2005), Kollegen, Künstlerfreunde-<br /> auf hohem Niveau grundverschieden.<br /> Mit diesem sukzessiven Doppelereignis positioniert sich die Galerie <span class="caps">OPEN </span>außer- und oberhalb temporärer Saison Attraktionen.</p> <p>Udo Scheels Malerei zeichnet sich durch Komplexität, Spannung und Poesie aus. Er hatte kaum die Kunstakademie Düsseldorf verlassen als ihm 1965 die legendäre Galerie Parnass in Wuppertal seine erste große Einzelausstellung widmete. Die Galerie Zodiaque in Brüssel folgte im selben Jahr, später auch die Galerie Arcanes, Brüssel. Die Düsseldorfer Professoren setzten den erst 28 Jährigen auf den Dreiervorschlag Freie Graphik und empfahlen ihn 1971 der Landesregierung <span class="caps">NRW </span>als Professor und Gründungsrektor der heutigen Kunstakademie Münster. Seit 2005 frei von Lehrverpflichtungen arbeitet der Maler in Berlin und Münster. Als Maler vor allem auch durch seine umfassenden Einzelausstellungen im Kunstmuseum Gelsenkirchen und der Kunsthalle Recklinghausen mehr der Rhein-Ruhrszene verbunden, ist für ihn die Berliner Präsentation eine Premiere.<br /> ,,Malerei gewinnt nicht durch Grenzüberschreitung und Medienmixtur, sondern durch Konzentration auf ihre eigenen, unbegrenzten Möglichkeiten" (Udo Scheel).<br /> Gegenstandsbezogene, figurative Elemente verschmelzen mit abstrakt-gestischen zur Bildeinheit. Der Schub einer Farbbahn treibt einen Gegenstand vor sich her, eine Passage überschneidet und fragmentiert eine Figur, eine prägnante ,,Konturschale" widersteht dem andrängenden Malfuror und wird eingeschlossen. Scheels künstlerische Eltern sind die großen informellen Maler, allen voran Karl Otto Götz, mit dem ihn eine Lebenslange Freundschaft verbindet, aber auch Bernhardt Schultze, Gerd Hoehme..., seine Großeltern, die Surrealisten René Magritte, Max Ernst und in der Ahnenreihe finden sich Max Klinge und James Ensor. Die Endsilben -art, -ismus, oder -schule lassen sich seiner Kunst nicht anhängen. Manfred Schneckenburger: ... der Schwung dieser Malerei und ihre eigenwillige Brechung ins Mondäne, Erotische, Ironische tragen über alle Anklänge hinweg.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1777 Exhibition: VIENNAFAIR 2009 <div class="exhibition-subtitle">Florian Japp</div> <div class="exhibition-dates">May 6 - May 11, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Tuesday, May 5, 6:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1698"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/25/25265.jpeg" alt="" height="375" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Vertraute Fremdheit</p> <p>Florian Japps Objekte behaupten eine selbstverständliche Präsenz. Befreit von Akzidenzien, Hüllen und Mehrdeutigkeiten, treten sie klar, karg und ,,ungeschützt" in Erscheinung. Ihre kühlen Baupläne - Schichtung, Fächerung, Zentrierung - korrespondieren mit Anlehnungen an Naturwachstum und -wandlung. Oft sind es Mischformen, ablesbar in Machart, Material und Farbgebung. Sie sind uns fremd und vertraut zugleich, so als hätten wir sie vergessen und wiedergefunden. Ihre Zwecklosigkeit ist augenscheinlich, und wenn wir auch in den diffusen Gefilden der Erinnerungen, Vorstellungen und Ahnungen auf Analogien stoßen. Sinn und ,,Seele" der Objekte finden wir nur in ihnen selbst. Wir müssen sie betrachten, sie sind für uns gemacht.</p> <p>Der ,,Aufstand der Objekte", ihr Heraustreten aus Nebenrollen und Stilleben, ihre Befreiung von Anthropomorphismen hatte sich schon lange angekündigt, bevor Marcel Duchamps Flaschentrockner aus der Fabrik ins Museum wechselte. In fantastischen Erzählungen treffen wir auf beseelte, sprechende und handlungsfähige Objekte: Alltagsdinge, die oft mit magischen Kräften ausgestattet sind (E.T.A. Hoffmann, Lewis Carroll, Swift).<br /> Mag es bei Wilhelm Busch noch mit rechten Dingen zugehen, wenn sein ,,Möblemang" gegen den heimkehrenden Trunkenbold rast, so schreibt Theodor Vischer in ,,Auch einer" den Dingen Eigenwillen, Absichten und Tücke zu. Grandville setzt Vertrauen in die Erscheinung der Dinge: er lässt Perücken, Pompons und Toupets auf dem Meeresgrund wachsen und fügt noch manche ,,Metempsycoses et autres choses" hinzu. Einzig durch den Wechsel des Bezugfeldes blüht die Dingmagie auf. Autremonde! <br /> Lautréamont schlägt darüber hinaus ein überraschendes Rendezvous disparater Dinge vor: Die unerwartete Begegnung eines Regenschirms mit einer Nähmaschine auf einem Seziertisch. Eine folgenreiche Versuchsanordnung. Das Objectum (das uns Entgegengeworfene) wechselt von der Rolle des Gegenübers des Modells in die des Hauptakteurs: wie bei Brancusi, Picasso, de Chirico, Beckmann bis hin zu Claes Oldenburg und Joseph Beuys. </p> <p>Florian Japps Objekte sind neu. Sie verdanken sich nicht einer Versetzung, ,,Verfremdung", Beseelung oder Versuchsanordnung. Sie sind keine Modelle, Requisiten, Allegorien, Signets. Sie sind pure Skulpturen, Objekte, Kunstwerke. Man muss sie sehen und erleben, sich ihnen aussetzen. <br /> Über die Kontemplation, die einzig ein klares Erkennen der Objekte ermöglicht, öffnet sich ein Tor zu Poesie und Rätselhaftigkeit, zum Traum, zur Ahnung. Aus souveräner Fremdheit und rätselhafter Vertrautheit entfalten sie eine Wirkung im Raum, bilden Energiezentren und Kraftfelder und nehmen Einfluss auf Richtung, Intensität und Tiefe unserer Wahrnehmung und Aufmerksamkeit. </p> <p>April 2009 Prof. Udo Scheel</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1698 Exhibition: Katherine Newbegin - Behind The Scenes <div class="exhibition-subtitle">NO ROOM SPACES</div> <div class="exhibition-dates">April 30 - July 19, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, April 30, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1681"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/25/25928.jpeg" alt="Installation shot I" height="375" width="500" /></a> <p><p>Installation shot I</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich die zweite Solo Ausstellung ,,NO <span class="caps">ROOM SPACES </span>- Behind The Scenes", der amerikanischen Photographin Katherine Newbegin in Berlin vorzustellen. Die Künstlerin wird zur Eröffnung anwesend sein.</p> <p>Was steckt dahinter? <br /> Behind the Scenes ist zum einen das Ergebnis der Frage nach die Geschichten der Orte und beschreibt zum anderen einen Aspekt der Arbeit der Künstlerin. Katherine Newbegin, die 1976 in Portland, Oregon geboren wurde, studierte Fotografie und englische Literatur am Hunter College in New York sowie an der Yale University. Sie assistierte der deutschen Künstlerin Candida Höfer, deren Innenraumfotos sich jedoch sehr von Newbegins Werken unterscheiden. Katherine Newbegin reist seit 2005 durch Osteuropa und durch das kommunistische Kuba, aber auch durch Bundesstaaten der <span class="caps">USA, </span>wie zum Beispiel Oregon. Sie stellt die Außenwelt dar, eine Welt, die durch die Vergangenheit geprägt ist und schmutzige Spuren von jenen Menschen, die sie kurz bewohnt und benutzt haben aufweist. Sie begibt sich zumeist über Tage hinweg in verlassene halböffentliche Gebäude, regelmäßig Hotels - aber auch in Sanatorien - und spürt den Menschen, die jeden Moment wiederkommen könnten, nach. Eine abgenutzte und leblose Welt wird präsentiert, deren Attribute Isolation, Abnutzung, Verschleiß und emotionale Leere sind. Newbegin interessiert der Blick hinter die Fassade. Sie muss bei ihren Recherchen verschlossene Türen überwinden und in die Gebäude oft wie ein Dieb einsteigen. In ihren Arbeiten ist nichts arrangiert, nichts speziell ausgeleuchtet oder inszeniert. Beharrlich umkreist auch sie das Objekt der Begierde, um in dem einen richtigen Moment auf den Auslöser zu drücken. Die Künstlerin geht auf Spurensuche. Bepackt mit einem großen Rucksack und einer Kameraausrüstung, begibt sich die junge Frau auf die Suche nach entlegenen Plätzen der Welt, um visuelle Eindrücke aufzuspüren, denen in unserer schnelllebigen Welt kaum jemand Bedeutung schenkt. Durch die Linse entdeckt sie eine Welt, die der Konsument längst vergessen hat. Newbegin sucht Orte aus, die durch die Politik ihr Aussehen verpasst bekommen haben. Die sowjetische Architektur der sechziger Jahre, die durch gigantische Betonbauten Präsenz und Modernität beweisen wollte, ist eines der Ziele der Künstlerin. Melancholie breitet sich beim Anblick von Newbegins Farbfotografien aus. Emotional entleerte Räume, Hotelzimmer, Stockwerke, Treppenaufgänge und Badezimmer, zeugen von einer Härte, einer Art von Realität, die man versucht zu verbergen oder schnell zu vergessen. Die Künstlerin versucht mit ihrer Kamera die Ungereimtheiten der verschiedenen Kulturen, die durch die politische Lage bestimmt sind, festzuhalten und zu vermitteln. <br /> Katherine Newbegin kommentiert ihre Auswahl folgendermaßen: ,,...set against the western idea of an affluent middle-class family driving to Disneyland, it is this stark contrast, which acts as the crux of my fascination with these hotels. One of the most compelling aspects of the vacations offered to the ,,best workers" of the Soviet regime, was the element of control and monitoring which took place during the trips". </p> <p>Begleitend zur Ausstellung wurde die gleichnamige Publikation ,,Behind The Scenes" veröffentlicht. Herausgegeben durch Sasa Hanten mit einem Essay von Barbara Steffen, head of collection Albertina Wien, ist sie im Revolver-Verlag, Berlin, erschienen.</p> <p>----------------------------------------<br /> galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to present the second solo show ,,NO <span class="caps">ROOM SPACES </span>- Behind The Scenes", of the American photographer Katherine Newbegin in Berlin. The artist will be present at the opening.</p> <p>What's behind it? <br /> Behind the Scenes is the result of this question of the history of the places, and its title describes an aspect of the artist's work. Born in Portland, Oregon, in 1976 Katherine Newbegin majored in photography and English Literature at Hunter College in New York as well as at Yale University. Newbegin was assistant to the German artist Candida Höfer, whose photographs of interiors differ greatly from Newbegin's. Katherine Newbegin has been travelling throughout Eastern Europe since 2005, and has also traveled in communist Cuba and US states such as Oregon. The American artist depicts the outside world, a world dominated by the past, a world which people use and discard, and which reflects human fallibility in its rooms. A worn-out, lifeless world is presented, whose attributes are isolation, shabbiness, neglect, and emotional emptiness. Newbegin is interested in what is behind the façade. She has to overcome locked doors for her research and often has to sneak into buildings like a thief. Nothing is arranged in her works, nothing is specifically illuminated or staged. Persistently, she circles the object of desire until that one perfect moment has arrived for her to take her photograph. The artist searches for traces. With a large backpack and her camera equipment in tow, the young woman goes on a search for isolated places to track down visual clues which are easily overlooked in this fast paced world. Through her lens she discovers a world long forgotten by today's consumer. Newbegin chooses locations that have inherited their looks from politics, as it were. Soviet architecture of the 1960s, whose monumental concrete constructions were shaped by the need to prove presence and modernity, is one of the artist's targets. Melancholy descends on the viewers of Katherine Newbegin's color photographs. Emotionally empty rooms, hotel rooms, floors, staircases and bathrooms testify to a harshness, a type of reality which is usually hidden or quickly suppressed. In her work, Newbegin investigates these stories and this momentum, thus also analyzing universal conditions for being sheltered or unsheltered. Katherine Newbegin explains her choice as follows: "... set against the western idea of an affluent middle-class family driving to Disneyland, it is this stark contrast which acts as the crux of my fascination with these hotels. One of the most compelling aspects of the vacations offered to the `best workers' of the Soviet regime was the element of control and monitoring which took place during the trips."</p> <p>In correspondence to the exhibition will be a publication ,,Behind The Scenes". Released by Sasa Hanten with an Essay of Barbara Steffen, head of collection Albertina Vienna, it is publicized in the Revolver-Verlag, Berlin.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1681 Exhibition: Matthias Baus - Behind the Scenes <div class="exhibition-subtitle">hunting men</div> <div class="exhibition-dates">March 12 - April 25, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, March 12, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Was steckt dahinter? Matthias Baus ist Fotograf. Der 1973 in Köln geborene Künstler ist ein Fotograf der Seele. Behind the Scenes ist zum einen das Ergebnis der Frage nach den Geschichten der Menschen und beschreibt zum anderen einen Aspekt der Arbeit des Künstler. Mit seiner Kamera schaut er mehr als in die Augen der Modelle. Er eröffnet eine weitere Welt, die sich erst im großen Abzug erkennen lässt. Baus interessiert der Blick hinter die Fassade, er betrachtet den Menschen selbst, ihren Innenwelt. Der menschliche Gesichtsausdruck ist der Ausgangspunkt von Matthias Baus Fotoarbeiten. Er geht mit seinen neuen ,,Teilporträts" einen wichtigen Schritt weiter und entfernt sich von der klassischen Porträtfotografie. In seinen Fotoserien, an denen er seit 2004 arbeitet, entwickelt der Künstler eine neue Interpretation des Porträts: Der Porträtierte sieht frontal in die Kamera, mit offenen Augen, klarem Blick und ernster Miene. Der Unterschied zum herkömmlichen Fotoporträt könnte größer nicht sein: Jedes Gesicht der dargestellten Personen ist nur zu einem Teil zu sehen. Der Künstler sucht sich jenen Gesichtsteil aus, der am meisten dominiert, nämlich die Partie um das Auge, die Nase und die Backenknochen, die einem Gesicht Individualität verleihen. Die Konzentration des Blicks des Beobachters erfährt eine neue Dimension. Wenn man in ein Gesicht sieht, erkennt man ein Ganzes, ein Totales. Die Individualität des Menschen wird durch sein Gesicht geprägt. Diese visuelle und emotionale Erfahrung durchkreuzt Baus mit seinen Großaufnahmen. Matthias Baus geht es nicht mehr um die gesamte Darstellung des Gesichts und die Repräsentation des Porträtierten, sondern um einen Ausschnitt, der das Gesamtbild verändert. Durch die fotografische Manipulation, die Konzentration auf einen Ausschnitt, schafft Baus einen visuellen Erfahrungswert, der neue Wege der Bildinterpretationen eröffnet. Fotografie zeigt immer eine Realität, die erst durch Bearbeitung und Veränderung des Fotos die Handschrift des Künstlers trägt. Matthias Baus greift in die Realität mit extremen Mitteln ein und schafft eine neue Form des Porträts, das in zweifacher Weise gesehen werden kann: als eine, durch die Auswahl des Ausschnitts, verfremdete Wirklichkeit oder als ein Bild als abstrahierte Oberfläche, das zu einem konzeptuellen Kunstwerk wird.</p> <p>Begleitend zur Ausstellung wurde die gleichnamige Publikation ,,Behind The Scenes" veröffentlicht. Herausgegeben durch Sasa Hanten mit einem Essay von Barbara Steffen, head of collection Albertina Wien, ist sie im Revolver-Verlag, Berlin, erschienen.</p> <p>What's behind it? Mathias Baus is a photographer. Born in Cologne in 1973, the artist is a photographer of the soul. Behind the Scenes is the result of this question of the history of the people and the title describes an aspect of the artist's work. With his camera, he is looking beyond the eyes of his models. He reveals another world in these eyes, a world which only appears in full on a large print. Baus is interested in what is behind the façade; he looks at the human beings themselves, their inner world. A person's facial expression is the starting point of Matthias Baus photography. Matthias Baus takes portrait photography an important step further with his "partial portraits", moving away from the traditional interpretation. In his photo series, on which he has been working since 2004, the artist has been developing a new interpretation of the portrait: the portrayed person faces the camera with open eyes, a clear focus, and a serious expression. The difference to traditional portraits could not be greater: only a part of every model's face is actually visible. The artist selects the most dominating part of the face, namely the part around the eye, the nose, and the cheekbones - the part which gives individuality to a face. The viewer's focus enters a new dimension. When looking at a face one recognizes a whole, a complete entity. The individuality of a person is expressed by his or her face. Baus' close-ups are like a spanner in the works of this visual and emotional experience. Matthias Baus is no longer interested in the whole image and representation of his models, but in a part of it that changes the whole picture. Due to the manipulation of the photograph by focusing on just one section, Baus creates a visual experience which opens new ways for the analysis of images. Photography always represents a certain reality which needs processing and modification to become the artist's own, individual reality. Matthias Baus takes extreme measures to modify reality, creating a new type of portrait that can be viewed in two different ways: representing a modified reality due to the selection of a detail, or as an image in the form of an abstracted surface which becomes a piece of conceptual art.</p> <p>In correspondence to the exhibition will be a publication ,,Behind The Scenes". Released by Sasa Hanten with an Essay of Barbara Steffen, head of collection Albertina Vienna, it is publicized in the Revolver-Verlag, Berlin.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1640 Exhibition: Art Karlsruhe 2009 <div class="exhibition-subtitle">Katherine Newbegin</div> <div class="exhibition-dates">March 5 - March 9, 2009</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1682"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/24/24011.jpeg" alt="" height="216" width="287" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1682 Exhibition: Brian Finke "Flight Attendants" <div class="exhibition-subtitle">Kathleen Vance "Traveling Landscapes"</div> <div class="exhibition-dates">February 5 - March 7, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, February 5, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1622"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/22/22657.jpeg" alt="Installation shot Finke and Vance" height="358" width="500" /></a> <p><p>Installation shot Finke and Vance</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich den renommierten New Yorker Photographen Brian Finke mit der Serie "Flight Attendants" und Kathleen Vance mit "Traveling Landscapes" vorzustellen. Beide Künstler setzen sich mit der Luftfahrt auf ihre eigene Art auseinander.</p> <p>In den nachgebauten und transportablen Landschaften der New Yorker Künstlerin Kathleen Vance, beschäftigt sie sich mit dem Inhalt verschiedenster Formen in der Natur, die Wachstum zeigen und die Umwandlungen der damit verwandten Formen, die aus diesem Wachstumsprozess heraus entstehen. Sie baut die Landschaften in Koffer, welche sie überall auf der Welt findet und schickt sie auf Flugreisen, um den Einluss der Menschen in der Natur widerzuspiegeln. In einer Erforschung der natürlichen Systeme des Wachstums, reinterpretiert sie Natur, um den Zusammenhang dieser Systeme innerhalb unserer Arbeitsgesellschaft herzustellen und zu definieren und empfindet Natur als Umwelt sowie ein unberührbares Konzept. Indem man direkt Natur bezieht, wird ihr materieller Ursprung verlegt und reaktiviert, um ein anderes unwahrscheinliches Treffen zu verursachen und stellt menschliche Entlassung vom Natürlichen und von ihrer Tendenz zu versuchen, Natur zu steuern, heraus. Punkte der Versetzung ansprechend, definiert sie das menschliche Konstruieren der Grenzen zwischen der natürlichen und künstlichen Welt. </p> <p>Flying the friedly skies, durchquerte Brian Finke zuerst die Vereinigten Staaten und photographiert das Flugpersonal der Delta, Jet Blue, Hawaian Airlines, bevor er sich ins Ausland mit Fluggesellschaften wie Air France, Quantas und Britisch Airways begab. In London besuchte er einen Sicherheits-Kurse an der Stewardess Schule. Danach setzte er seine Reise in den Osten fort, indem er mit Air Aisa, Thai, Tiger, <span class="caps">ANA,</span> Japan und Cathay Pacific flog. Finke vollendete seine zweijährige Reise mit der glanzvollen Icelandair. Das Resultat der Wanderlust von Brian Finke ist in der "Flight Attendants" Serie ersichtlich, eine Kollektion von dynamischen Photographien dokumentiert das Leben von den abenteuerlustigen Seelen, welche sich dazu beschlossen haben in 12.000m Höhe zu arbeiten. Die Werke entstanden vor, während und nach den Flügen, sie halten die Faszination der Profession des high-flying und die etwas zurückgezogenen Momente des täglichen Lebens der Flug-Crew fest. Finke fühlt sich der charakteristischen Dynamik von Gruppen-Anordnungen hingezogen, mit der Fokussierung auf uniformierte Individuen, welche eingeübte Tätigkeiten ausführen. Mit einem Blick für das Ironische wie auch Absurde, verbindet Finke das Glamouröse mit dem Legeren nahtlos und offeriert dadurch einen unvergesslichen Einblick in die Industrie der Luft-Reisen und der dazu gehörigen Personen. </p> <p>-----------------------------------------------------</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann is pleased to introduce the well known New York photographer Brian Finke with "the Flight Attendants"" and the installation of Kathleen Vance with the "Travelling Landscapes" series. Both artists inspect the air travel in their own way. </p> <p>In the rebuilt and transportable Landscapes of the New York artist Kathleen Vance, she deals with issues involving the varied forms in nature that are indicative of growth, and the transformations that occur in the growth processes relative to these forms. She builds the landscapes in suite cases, which she finds around the world and sends them by air travel, in order to show the influence of human kind on nature. In an exploration of natural systems of growth, she reinterprets nature to establish and define the context of these systems within our working society, perceiving nature as an environment as well as an intangible concept. By referencing nature directly, its material origin is displaced and reactivated to create an otherwise unlikely encounter, exposing human's dismissal of the natural and their tendency to attempt to control nature. Addressing issues of displacement, the philosophy of what is natural, what forms indicate the natural and how the context affects the meaning and identity of these forms, she defines the human construct of the boundaries between the natural and the artificial world. </p> <p>Flying the friendly skies, Brian Finke crisscrossed the United States photographing flight attendants on Delta, JetBlue, Hawaiian, Hooters Air, Southwest, and Song airlines before going abroad with such carriers as Air France, Qantas and British Airways. In London, Finke visited a flight attendant school with emergency rafts and billowing smoke. Then continuing east, he traveled with Air Asia, Thai, Tiger, <span class="caps">ANA,</span> Japan and Cathay Pacific. He finished two years of travel with the illustrious Icelandair. The result of Finke's wanderlust is his series "Flight Attendants", a vibrant collection of photographs documenting the lives of those souls who choose to work at 40,000 feet. Shot before, during and after flights, the photographs capture the allure of the high-flying profession alongside the more quiet moments of the attendants daily lives. He is drawn to the distinctive dynamics of team formation, focusing on uniformed individuals executing practiced actions. With an eye for the ironic and the absurd, he seamlessly blends the glamorous with the casual, offering a look at the people of the air travel industry.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1622 Exhibition: Max Grüter / Andrea Muheim <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">October 23 - December 23, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, October 23, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1561"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/20/20582.jpeg" alt="Max Grüter installation shot" height="316" width="237" /></a> <p><p>Max Grüter installation shot</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, vom 23. Oktober bis zum 23. Dezember 2008 die Arbeiten von Max Grüter und die Malerei und Stickereien von Andrea Muheim zu präsentieren.<br /> Die Ausstellung erfolgt in Zusammenarbeit mit der Galerie Stephan Witschi aus Zürich. Die Eröffnung findet am Donnerstag dem 23. Oktober 2008 um 19 Uhr statt. Die Künstler werden anwesend sein. Grüter und Muheim leben und arbeiten beide in Zürich und be-<br /> fassen sich mit ihrem Umfeld, welches sie täglich umgibt. Die Malerei ist für Andrea<br /> Muheim eine Form der Kommunikation, eine Bestandsaufnahme. Wobei die Installa-<br /> tionen, Skulpturen und Mixed Media Werke von Max Grüter ein Umfeld kreieren, welches einen individuellen künstlerischen Kosmos suggeriert. Es ist so als würde Grüter seinen Vorstellungen entsprechend in eine Sphäre eintauchen die nur er versteht, jedoch den Betrachter mit Teil haben lässt. Muheim hingegen ist die Beobachterin, die Freunde, Freundinnen und sich selber vermischt mit Vorstellungen und Gefühlen und die Besonderheit einer Person oder Situation durch ihr Werk erfasst. Hier darf der Außenstehende intime und berührende Momente erfahren und zugleich spüren.<br /> Für die 1968 geborene Künstlerin Andrea Muheim - sie lebt und arbeitet in Zürich - die Strickbilder zeigen eine gewisse Intimität, allein schon durch die Größe und Auswahl des Mediums. Ihr soziales Netz, ihre Kinder, ihre Liebsten und die Räume, in denen sie leben, schlafen und arbeiten werden immer wieder aufgegriffen. Für die Künstlerin ist ihr Werk eine Form der Kommunikation und Zwiesprache. Die Künstlerin gewährt einen Einblick in ihr Leben , indem sie uns einen Teil ihres Tagebuches preisgibt. Beobachtungen mischen sich mit Vorstellungen und Gefühlen. Dabei versucht sie die Kraft und Besonderheit einer Person oder Situation zu erfassen. Die neue Mal-Serie kündet jedoch von einem Bruch. Die Bilder formulieren in großen Formaten menschenleere Straßenzüge, Parks oder Plätze, im dumpfen Kolorit der Nacht oder der Morgendämmerung gemalt. Blau und Schwarz herrschen vor, nur durchbrochen vom fahlen Gelb einer Straßenlaterne, vom Graublau der sich ankündigenden Morgendämmerung. Das Kolorit ist trotz der nächtlichen Thematik nicht distanziert oder gar unterkühlt.<br /> Max Grüter (1955), aufgewachsen in Horgen, lebt und arbeitet in Zürich. Er ist in den klassischen Disziplinen Zeichnung, Malerei und Skulptur genauso beheimatet wie in prozessualen Arbeiten und in der virtuellen 3-D-Animation. Eines seiner zentralen Experimentierfelder ist die Raumfahrt. Seit Jahren schafft er unter der Projektbezeichnung My Private Space Program unermüdlich an seinem ganz persönlichen intimen Raumfahrtprogramm. Ein 3-D-generierter Astronaut mit den Gesichtszügen des Künstlers, der als Symbolfigur für das explorative Potential des menschlichen Denkens und Handels und für den Aufbruch in ein virtuelles Zeitalter steht. Am Anfang von Grüters Schaffen dominieren motivisch menschliche Figuren aus der Arbeitswelt, die absurdistisch verzerrt, eingezwängt oder fragmentiert sind oder<br /> symbiotische Verbindungen mit Arbeitsinstrumenten eingehen. Der in einer kapitalistischen Gesellschaft auf seine Funktion als Arbeitsmaschine reduzierte<br /> und in seiner Entfaltungsfreiheit limitierte Mensch stellt ein Grundthema der skulpturalen Arbeiten dar. Eine weitere wichtige Werkgruppe sind die Modellbaukästen. Mit Bausätzen für Goldbarren, Meerschweinchen und ganzen Familien erweist Grüter<br /> den Modellbauertraum, sich im Kleinen eine Heile Welt zu erschaffen. Vergleichbar mit Andy Warhols Do-it-yourself-Paintings suggerieren die in Spritzgussrahmen eingefügten Bausätze im Spiel mit den ästhetischen Kategorien vollendet - unvollendet dem Kunstkonsumenten die Möglichkeit, schöpferisch tätig zu sein, die sich alsdann als uninspiriertes Zusammensetzen vorfabrizierter Einzelteile entpuppt. Auch in performativen Arbeiten (Crashtest für Lieblingsgegenstände, 2003; Künstlerstrich, 2006; Bioplot, 2007) verschwimmt die klare Rollenverteilung zwischen Künstler und Kunstkonsument. Der Künstler beschränkt sich auf die Aufgabe, den Entstehungsvorgang des Kunstwerks festzulegen und das Resultat als Kunst zu beglaubigen, der Kunstkonsument übernimmt die Produktion oder bestimmt Aussehen und oft auch den Preis des Endprodukts mit. Als Konsequenz bietet Grüter seit 2007 das Datenmaterial, das die Grundlage seines Schaffens bildet, auf seiner Webseite als Downloads frei und schafft ,,Open Source Kunst".</p> <p>Der Künstler Max Grüter zeigt in der Publikation <span class="caps">HOUSTAN,</span> I AM A <span class="caps">PROBLEM </span>einen Querschnitt seines Schaffens, von den Anfängen in den Achtzigern bis heute.<br /> Das Buch ist in der galerie <span class="caps">OPEN </span>während der<br /> Ausstellung erhältlich.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1561 Exhibition: Florian Japp / Kathrin Rank <div class="exhibition-subtitle">"Zerstreuung in der Zentrifuge- Organische Technoide"/ "Fossile Augenblicke"</div> <div class="exhibition-dates">September 4 - October 18, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, September 4, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1455"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/17/17835.jpeg" alt="Objekt_006: Holz, Lack, 100 x 45 x 45 cm, 2007, Florian Japp" height="332" width="500" /></a> <p><p>Objekt_006: Holz, Lack, 100 × 45 × 45 cm, 2007, Florian Japp</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, vom 04. September bis zum 18. Oktober 2008 die Objekte von Florian Japp und die Malerei und Zeichnungen von Kathrin Rank zu präsentieren. Die Eröffnung findet am Donnerstag dem 04. September 2008 um 19 Uhr statt. Die Künstler werden anwesend sein.</p> <p>Was sowohl Kathrin Rank als auch Florian Japp interessiert ist ein gewisser Schwebezustand. Kathrin Rank untersucht Zwischenzeiten. Sie hält den Moment zwischen zwei Zuständen fest. Ein Augenblinzeln weiter auf der Zeitachse nur, und alles ist anders. Diese Momentaufnahme hat etwas Magisches. Er ist nicht alltäglich, obwohl er jeden Tag vorkommt, aber er entgleitet dem Sichtbaren. Kathrin Rank schafft es, ihn zum Vorschein zu bringen. Florian Japp interessiert sich ebenfalls für das Dazwischen. Seine Objekte erinnern an Dinge, die im Alltag vorkommen. Sie sind aber derart mutiert, dass ein Flimmern entsteht. Sobald der Betrachter glaubt, ein Objekt identifiziert zu haben, entgleitet es ihm auch schon wieder. Sie fangen an zu oszillieren. Kathrin Rank untersuch zeitliche Zustände und Florian Japp Aggregatszustände der Dinge.</p> <p>Die Skulpturen erinnern an stilisierte Formen der Natur wie Knospen oder Blütenstempel. Sie haben aber auch eine technische Seite und suggerieren einen industriellen Ursprung. Alltagsgegenstände werden bis auf das Gerüst entkleidet. Das Wesentliche jedoch bleibt. Die in einem Verdichtungsprozess neu zusammengesetzten Skelette ergeben organische Technoide. Die Formen der Natur und das technische Bauteil verschmelzen miteinander. Die vage Erinnerung bleibt bestehen. Die so entstandenen Modelle sind nicht greifbar und entziehen sich der Begrifflichkeit, die Mutation wirkt verstörend. Die Objekte sind irreal geworden, so als wären sie einem Traum entsprungen. Die Formen strahlen eine gewisse Distanz und Fremdheit aus und scheinen in ihrer Stilisierung nackt, reduziert auf ihre Essenz. Sie wahren eine gewisse Form von Verletzlichkeit. Sie fangen an zu flimmern und zu oszillieren.</p> <p>In Kathrin Ranks visuellen Synthesen wird Altes in Neuem komprimiert. Situationen, Momente, Szenen, Dinge und Gegenstände erscheinen an der Ober-<br /> fläche noch flüchtig und trivial, doch dahinter steht der Bruch einer zeitlichen Tiefe, aus der die Motive ihrer Bilder erst erkennbar werden. Wir sehen Augenblicke<br /> vom Grund der Zeit emporblitzen, Momente in denen mal Ruhe, mal schieres Unbehagen pulsiert und die wie der Reflex eines Uranfänglichen an der Oberfläche der Darstellung, der Nahtstelle von Auge, Zeichen und Welt, aufblenden. Eine Wirklichkeit, in der Zeitfülle und Bildtiefe kollidieren und ineinander verschränken, so dass die Fernwirkung ihrer ästhetischen<br /> Allianz kraft einer bildgebenden Prozedur des Malens in unsere Wahrnehmung übertragen wird. Ranks Bilder ziehen unsere Blicke damit hinter die Oberfläche der Gegenwart und dringen ein in die zeitliche Dimension des Weltenraums unserer Erfahrung.<br /> Timo Kaabi Linke</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1455 Exhibition: Katherine Newbegin / Peter Vogel - Digression: Walking through space / Licht, Klang, Bewegung <div class="exhibition-subtitle">New photos / Interaktive Objekte</div> <div class="exhibition-dates">May 8 - July 25, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, May 8, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1424"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/16/16179.jpeg" alt="Works by Newbegin and Vogel" height="375" width="500" /></a> <p><p>Works by Newbegin and Vogel</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Der Betrachter von Vogels Werk ist der Akteur seines eigenen momentanen Befindens, indem er mittels Tönen, Gesängen, Lauten oder Lichteinflüssen Peter Vogels Werke zu Leben erweckt. Newbegins Fotografien hingegen zeigen unbelebte Räume, die trotz der Abwesenheit menschlichen Daseins, Leben für den Betrachter spürbar machen.</p> <p>Die Photographien der New Yorker Künstlerin Katherine Newbegin zeigen temporäre Orte. Seien es verlassene Hotels, Kinos, Cafes oder Anstalten: Die grundlegende Thematik ihrer Bilder ist die Abwesenheit der Menschen, die zwar nur vordergründig ist, aber die Spuren ihres Lebens subtil spürbar machen.<br /> Katherine Newbegin hat diese zurückgelassenen Spuren menschlichen Daseins in den <span class="caps">USA,</span> Cuba, Rumänien, Polen, Russland und Deutschland recherchiert. Jedes Land stellte ein neues Projekt dar, umso überraschender sind die globalen Gemeinsamkeiten der verstrichenen Zeit, die aufgrund der hinterlassenen Relikte nicht nur spürbar, sondern sichtbar werden.<br /> Katherine Newbegin photographierte die Räume in genau den Zustand, in den sie sie vorfand. Sie hat nichts arrangiert oder verändert, daher wirken ihre Arbeiten unmittelbar auf den Betrachter. Sie erfassen die menschliche Beziehungen, die in diesen Räumlichkeiten einst stattfanden. Sie sind höchst emotional und zeitenverbindend.<br /> Die Architektur der öffentlichen Orte spricht die Allgemeinheit an, jedoch beherbergt bzw. beherberte sie Individuen, die gewisse Leistungen erbringen müssen bzw. mussten, um diese Orte zu bewohnen. Sei die Leistung eine mentale Störung, der finanzielle Ausgleich oder eine Befriedigung der Sinne. So wird der public space zum domestic space, mit individuellen Spuren und unzähligen Geschichten.<br /> Verbindend ist auch, daß ihre Arbeiten ausschließlich Orte dokumentieren, die einst Schauplatz menschlicher Fürsorge waren. Denn nicht nur in Hotels oder Cafes werden Gäste umsorgt, sondern auch Irrenanstalten kümmern sich um das Wohl ihrer Patienten. It's a vacation of the mind. Beim Betrachten ihrer Arbeiten drängt sich folgende Frage auf: What happened? Wer oder was hat hier gewohnt? Wieso? Und zu guter letzt: Wieso steht es jetzt leer? Wer war der Letzte, der endültig die Tür geschlossen, der endgültig good-bye gesagt hat?<br /> Katherine Newbegins Arbeiten sind Porträts nicht sichtbarer aber spürbarer Individuen.</p> <p>Peter Vogel, Physiker und Künstler zugleich, gehört zu den Pionieren der interaktiven Kunst. Die ästhetische Dimension seiner Werke liegt nicht nur in der optischen Erscheinung seiner elektronischen Skulpturen und Reliefs, sondern vor allem in ihrer zeitlichen Struktur der Interaktivität: Diese Werke kann nur der Betrachter zum Leben erwecken. Sein Schatten, seine Bewegung oder seine Geräusche lösen bei den Objekten eine Reaktion aus, die sich in Klängen, aber auch in Farb- und Lichtwechsel oder Bewegungen manifestiert. Die Gestaltungsmittel sind elektronische Schaltungen, in denen man Lautsprecher, Fotozellen, Kondensatoren usw. erkennen kann. Das politisch motivierte Grundthema seiner Arbeiten ist der Aspekt der Kommunikation, die Wechselwirkung zwischen Sender und Empfänger.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1424 Exhibition: ViennaFair 2008 <div class="exhibition-subtitle">The International Contemporary Art Fair</div> <div class="exhibition-dates">April 24 - April 27, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Wednesday, April 23, 6:00 PM - 8:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1406"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/15/15744.jpeg" alt="Vienna Fair 2008" height="243" width="500" /></a> <p><p>Vienna Fair 2008</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>"Die aktuelle Entwicklung der internationalen Messeszene zeigt, dass die >VIENNAFAIR< von ihrer ersten Ausgabe an auf dem richtigen Weg war. Der Schwerpunkt auf Galerien aus dem ost- und südosteuropäischen Raum, kombiniert mit spannenden Präsentationen von Galerien aus Westeuropa, Übersee und nicht zuletzt der boomenden Wiener Galerienszene hat sich als wahres Erfolgskonzept erwiesen", freut sich DI Matthias Limbeck, Geschäftsführer für New Business, Marketing & <span class="caps">CEE </span>der Reed Exhibitions Messe Wien. Er bezieht sich dabei auf das große Interesse und die bereits fixierten Anmeldungen zur vierten Ausgabe der >VIENNAFAIR<, die vom 24. bis 27. April 2008 in der Halle A der Messe Wien stattfinden wird. ,,Der neue, internationale Messebeirat hat hervorragende Arbeit geleistet, und die diesjährige >VIENNAFAIR< ist mit 124 teilnehmenden Galerien restlos ausgebucht. Wir haben die Messefläche erweitert und trotzdem stehen noch Galerien auf der Warteliste", würdigt Limbeck auch die Arbeit des Beirates, bestehend aus Guido W. Baudach - Galerie Guido W. Baudach/Berlin, Anne Blümel - Galerie Lelong/Zürich/New York/Paris, Kerstin Engholm - Engholm Engelhorn Galerie/Wien, Dr. Ursula Krinzinger - Galerie Krinzinger/Wien, Simon Rees - Contemporary Art Centre of Vilnius/Litauen, Michel Rein - Galerie Michel Rein/Paris, Anthony Wilkinson - Wilkinson Art Gallery/London und Mag. Thomas Wüstenhagen - layr:wuestenhagen contemporary/Wien.</p> <p>Die Internationalisierung ausbauen, den Standort stärken<br /> ,,Es freut mich sehr, dass es uns auch bei der vierten >VIENNAFAIR< gelingen wird, die Messe noch internationaler zu machen und gleichzeitig die österreichische Galerienszene praktisch vollständig einzubinden", fasst Edek Bartz, der Exhibition Director der >VIENNAFAIR<, die intensive Vorarbeit zusammen, die wieder zu einer spannenden Auswahl an Galerien und einem hochkarätigen Rahmenprogramm für die >VIENNAFAIR< geführt hat. 124 Galerien, davon 46 aus Österreich, 55 aus Westeuropa - davon 31 aus Deutschland - je 2 aus Israel und den <span class="caps">USA </span>und 19 aus den Schwerpunktländern Ost- und Südosteuropas werden in der Messe Wien vom 24. bis 27. April 2008 wieder ihre Auswahl der zeitgenössischen Kunstproduktion präsentieren. Mit ihrem Konzept der fortschreitenden Internationalisierung schafft die >VIENNAFAIR< die Voraussetzung für die weitere Entwicklung des Kunstplatzes Wien.</p> <p>Neben der schon traditionell starken Teilnahme von Berliner Galerien wie Baudach, <span class="caps">DNA,</span> Kunstagenten, Jette Rudolph und Antje Wachs, die diesmal durch carlier | gebauer, Feinkost, Open, Gillian Morris und <span class="caps">ZAK </span>verstärkt werden, kommen 2008 erstmals zwei Galerien aus Israel (Dvir Gallery und Sommer Contemporary Art, beide aus Tel Aviv) zur >VIENNAFAIR<. Die Athener Galerien gazonrouge, Kalfayan und The Breeder sind ebenso wieder dabei wie Lelong aus Zürich, Baukunst aus Köln, Benden & Klimcak, Viersen, Distrito Cu4tro aus Madrid und Six Friedrich Lisa Ungar aus München. Aus Frankreich haben sich sechs Galerien angemeldet (La Blanchisserie, ColletPark, Eric Dupont, die galerie de multiples, Michel Rein und Suzanne Tarasiève), fünf Teilnehmer kommen aus Grossbritannien (HF Contemporary Art, <span class="caps">MOTI</span>nternational, Hidde van Seggelen, Max Wigram und Wilkinson). Italien ist mit sechs Galerien vertreten (Ala, Ca´di Fra´, goethe 2, Studio Legale, Davide di Maggio und Traghetto) und aus den <span class="caps">USA </span>stellen mit I-20 und Klemens Gasser & Tanja Grunert zwei Galerien bei der >VIENNAFAIR< aus.</p> <p>Aus Österreich wurden 46 Galerien für die Teilnahme an der >VIENNAFAIR< zugelassen. International renommierte österreichische Galerien wie die Wiener Galerie Heike Curtze, Engholm Engelhorn, nächst St. Stephan, Krinzinger, König, Senn, Hilger, Insam, Janda, Meyer Kainer und Krobath Wimmer, die Galerien aus den Bundesländern wie Ropac, Thoman und Welz und die jungen Galerien Viktor Bucher, layr:wuestenhagen contemporary, Andreas Huber, Dana Charkasi und Patrick Ebensperger bringen mit vielen weiteren einen überzeugenden Auftritt der österreichischen Galerienszene auf die >VIENNAFAIR 2008<.</p> <p>Große Plattform für Galerien aus Ost- und Südosteuropa<br /> Von Beginn an war die Schwerpunktpräsentation von Galerien aus Ost- und Südosteuropa ein entscheidender Faktor für das große Interesse internationaler Kunstsammler an der >VIENNAFAIR<. 19 Galerien werden 2008 die Werke ihrer KünstlerInnen auf der Kunstmesse in Wien präsentieren. Darunter Galerien die dem Messepublikum schon aus den letzten Jahren bekannt sind, wie Raster, lokal_30 und die Program Art Gallery aus Warschau, 2Meta aus Bukarest, Photon und Skuc aus Laibach, New Moment Ideas Gallery und Remont, beide aus Belgrad, hunt kastner artworks aus Prag, die <span class="caps">ACB</span> Gallery aus Budapest, Vartai aus Vilnius und die Space Gallery und Bast´ Art aus Bratislava, von wo auch zwei Neuzugänge auf die >VIENNAFAIR< kommen, die Kressling Gallery und Photoport. Aus Polen mit dabei sind die Czarna Galeria (Warschau), Kisterem aus Budapest und <span class="caps">ARC</span> Projects aus Sofia.</p> <p>Sponsoren ermöglichen Messeteilnahme<br /> Wie schon in den letzten Jahren ist die <span class="caps">ERSTE BANK </span>als Hauptsponsor und Unterstützer der Messeteilnahme dieser Galerien entscheidend am Gelingen der Schwerpunktpräsentation beteiligt. Dazu Boris Marte, Head of Corporate Sponsoring der Erste Bank: "Die >VIENNAFAIR< verfolgt ganz ähnliche Ziele wie wir: Nämlich das Potenzial Zentral- und Osteuropas zutage zu fördern. Wir sind heute einer der größten Finanzdienstleister der Region, mit mehr als 16 Millionen Kunden in acht Ländern. Daher liegt uns besonders viel daran, den Menschen dort auch etwas zurückzugeben. Die >VIENNAFAIR< hilft uns dabei. Hier können wir Künstlerinnen und Künstlern aus Zentral- und Osteuropa eine Plattform bieten, von der aus sie sich mit einander vernetzen und ihre Werke einer internationalen Öffentlichkeit präsentieren können." Die Erste Bank ermöglicht einer jährlich steigenden Anzahl von zentral- und osteuropäischen Galerien die Teilnahme an der >VIENNAFAIR<.</p> <p><span class="caps">ZONE1</span>: Die Sonderpräsentationen der >VIENNAFAIR<<br /> Die auf der letztjährigen >VIENNAFAIR< erstmals präsentierte <span class="caps">ZONE1 </span>wird auch im Jahr 2008 eine Weiterentwicklung erfahren. Auf einem eigens gestalteten Areal im Zentrum der Messe können Galerien auf jeweils 20 m² Einzelpräsentationen von Arbeiten junger KünstlerInnen zu speziellen Konditionen zeigen. 19 Präsentationen wurden vom Messebeirat für die <span class="caps">ZONE1 </span>ausgewählt. Neu in der <span class="caps">ZONE1 </span>sind die Galerie Hubert Winter mit der Installation ,,Panhard Special - The Velocity of Thought" von Paul Etienne Lincoln, die Galerie Eric Dupont, Paris, mit Arbeiten von Regina Virserius, die Galerie Open, Berlin, mit Fotografie von Katherine Newbegin und Marc Berville MB Prospects, Berlin, mit Zeichnungen von Marko Velk. Nicola von Senger aus Zürich präsentiert Arcangelo Sassolino und Hamish Morrison bringt Arbeiten von Wolfgang Flad von Berlin nach Wien. Aus Bregenz bringt die Galerie Lisi Hämmerle eine Installation des Duos Alexandra Berlinger / Wolfgang Fiel, habres+partner, Wien, zeigen Magda Tóthová und Mario Mauroner Contemporary Art Vienna präsentiert die Skulptur ,,Dorothy" von Joana Vasconcelos. Die Galerie Mezzanin bietet in der <span class="caps">ZONE1 </span>ein Projekt von Manuel Gorkiewicz. Weitere Erstteilnehmer sind das Studio Legale, Rom mit Alika Cooper, die Galerie traversée, München mit Chow Chun Fai und La Blanchisserie, Boulogne mit Arnaud Maguet. Gemeinschaftsprojekte zeigen die Galerien Grita Insam, Wien, mit Cristina Guerra Contemporary Art, Lissabon (Künstler: José Loureiro) und die Galerie Krinzinger Wien mit der Galerie Antje Wachs aus Berlin (Künstlerin: Clarina Bezzola). Zum zweiten Mal in der <span class="caps">ZONE1 </span>präsentieren die Galerien Hohenlohe, Wien (Cornelia Schmidt-Bleek), Hidde van Seggelen, London (Natasha Rosling), I-20 (Karen Heagle), New York, und Steinle Contemporary aus München (Krüger/Pardeller).</p> <p>Übrigens wird die Präsentation des vorjährigen Gewinners der <span class="caps">ZONE1,</span> Kamen Stoyanov, vom 18. April bis 18. Mai 2008 mit einer Einzelausstellung im <span class="caps">MUMOK </span>zu sehen sein. ,,Es ist uns sehr wichtig, der >VIENNAFAIR< nicht nur den privaten SammlerInnen ein Forum zu bieten, sondern auch den für die Entwicklung der Szene so wichtigen Austausch zwischen Galerien und Museen zu fördern", erläutert Daniela Hinterhölzl, Exhibition Manager der >VIENNAFAIR< die Beweggründe für diese Initiative.</p> <p>Starke Kooperation mit österreichischen Kunstinstitutionen <br /> Nicht nur für die <span class="caps">ZONE1, </span>auch im Informationsbereich der >VIENNAFAIR< werden die Kooperationen mit Museen und Kunstinstitutionen fortgeführt.<br /> Im Rahmen der erweiterten Kooperation präsentieren sich die Kunstinstitutionen im Rahmen der >VIENNAFAIR<, legen ihren Aussendungen einen Gutschein für einen ermäßigten Eintritt zur >VIENNAFAIR< bei oder gewähren >VIENNAFAIR<-Besuchern während der Messe Gratis- bzw. ermäßigten Eintritt in die jeweilige Einrichtung. Folgende Institutionen beteiligen sich derzeit an dieser Kooperation: Albertina, Wien, BA-CA Kunstforum, Wien, lower austria contemporary (kunst im öffentlichen raum niederösterreich, <span class="caps">KUNSTRAUM NOE,</span> Kunsthalle Krems, NÖ Landesmuseum, Art/Brut Center Gugging, Hermann Nitsch Museum im Museumszentrum Mistelbach), <span class="caps">KUNSTHALLE </span>wien, kunsthistorisches museum wien, <span class="caps">MAK </span>Österreichisches Museum für angewande Kunst/Gegenwartskunst, Universität für angewandte Kunst, Wien, <span class="caps">MUMOK</span> Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, <span class="caps">SAMMLUNG ESSL,</span> Klosterneuburg, <span class="caps">EVN</span> Sammlung, Maria Enzersdorf und Kulturkontakt Austria, Wien.</p> <p>Kunstinstitutionen aus Ost- und Südosteuropa auf der >VIENNAFAIR<<br /> Wie schon in den ersten beiden Jahren, sollen auch Kunstinstitutionen aus dem Ausland sowie aus Ost- und Südosteuropa die Möglichkeit bekommen, sich im Zuge der >VIENNAFAIR< dem Publikum zu präsentieren. </p> <p>Preis für die beste Standgestaltung<br /> Natürlich bemühen sich die teilnehmenden Galerien um eine attraktive Standgestaltung auf der Kunstmesse. Als zusätzlicher Anreiz wird bei der >VIENNAFAIR 2008< zum dritten Mal der >VIENNAFAIR <span class="caps">GALERIENPREIS</span>< der Wirtschaftskammer Wien vergeben. Der Preis ist mit 5.000 Euro dotiert und wird im Rahmen der Vernissage am 23. April 2008 von Brigitte Jank, Präsidentin der Wirtschaftskammer Wien, verliehen. </p> <p>Programm für Sammler und Interessierte: Die Sonderprogramme der >VIENNAFAIR 2008<<br /> Über ein speziell entwickeltes Programm während der Messe und durch Museumsbesuche und Sonderführungen wird die >VIENNAFAIR< wieder rund 200 internationale Kunstsammler nach Wien bringen und damit eine wichtige Basis für den wirtschaftlichen Erfolg der teilnehmenden Galerien schaffen. Ein Vortragsprogramm und Präsentationen von Kunstinstitutionen aus Österreich und Osteuropa runden das vielfältige Angebot der >VIENNAFAIR 2008< ab. (+++)</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1406 Exhibition: Apocalyptic Renovation / Where is the Lady with the Au`deourves? <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">March 7 - May 3, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, March 7, 6:30 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1319"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/15/15706.jpeg" alt="Fred Fleisher" height="624" width="500" /></a> <p><p>Fred Fleisher</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>"Apocalyptic Renovation" - "Where is the Lady with the Au`deourves?"</p> <p>Plurimedialität, Mono- und Polychromie, Humor und Ernsthaftigkeit. Dem Konzept der galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann entsprechend, bilden Offenheit und Kontraste die Leitmotive der aktuellen Ausstellung mit Werken von Fred Fleisher und Trevor Guthrie. Doch werden bei näherer Betrachtung neben den vordergründigen Unterschieden schnell die gemeinsamen Konstanten beider Werke deutlich. In sich zwar abgeschlossen und eigenständige Werkkomplexe darstellend, ermöglicht die Zusammenschau der Werke dieser Künstler zusätzlich den Versuch einer Reflektion über die zeitgenößischen Möglichkeiten der künstlerischen Auseinandersetzung mit Realität.</p> <p>Fred Fleisher</p> <p>Der 35-jährige New Yorker Fred Fleisher steckt in seinem Werk die Grenzen des Alltäglichen ab. Indem er alltägliche, eher als trivial erscheinende Objekte, wie beispielsweise Spielzeug und Puppen mithilfe diverser Techniken z.B. die der Montage in neue Kontexte und Sinnzusammenhänge bringt, stellt er unsere konventionellen Sehweisen und Bedeutungszuweisungen in Frage. Durch den Bruch und die daraus entstehende semantische Leerstelle erwachsen erstaunliche Sinnzusammenhänge, die auf der Ebene zwischen Humor und Ernst oszillieren.<br /> Das Moment der Bewegung, der Fluktuation wird auch in den Zeichnungen deutlich, die mit Hilfe von ferngesteuerten Autos angefertigt werden. Indem der Künstler seine Kontrolle im Entstehungsprozess minimiert, schafft er gleichzeitig Raum für unvorhergesehene Entwicklungen und Tendenzen.</p> <p>Trevor Guthrie</p> <p>Der in Schottland geborene und zur Zeit in der Schweiz lebende Künstler Trevor Guthrie, scheint auf den ersten Blick eine völlig andere Richtung einzuschlagen als Fleisher.<br /> Seine Kohlezeichnungen sind weitgehend monochrom und oftmals in photographisch-realistischer Art ausgeführt. Bei genauerer Betrachtung erchließen sich Einem jedoch die zahreichen Gemeinsamkeiten:<br /> Konstitutives Element in Trevor Guthries Werk ist die Verwendung von Photographien, die er in einem komplexen Prozess auf den Bildträger bringt. Er spielt mit der Realität und seiner künstlerischen Umsetzung, Gewohnheit und Irritation.<br /> Durch perspektvische Streckung und Verkürzung der Bildproportionen, subtiler Auflösung der Form und nebulös erscheinender Verwischung der Konturen wird das Dargestellte verfremdet. Verweise auf Gerhard Richter und Francis Bacon werden deutlich.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1319 Exhibition: Street life - NY stories <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">January 17 - March 1, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, January 17, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1257"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/29/29181.jpeg" alt="Simone Gaon, Butchers, 2006, oil on canvas, 50 x 58 inch" height="467" width="500" /></a> <p><p>Simone Gaon, Butchers, 2006, oil on canvas, 50 × 58 inch</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>by Alexandra Rockelmann freut sich, vom 17. Januar 2008 bis zum 01. Marz 2008 die Ausstellung ,,Street life - NY stories" mit Werken von Simon Gaon zu präsentieren.<br /> Die Eröffnung findet am Donnerstag, den 17. Januar 2008 statt. Der Künstler wird anwesend sein.</p> <p>Das Werk Gaons ist stark mit seiner Heimatstadt New York verknüpft. <br /> Die in der galerie <span class="caps">OPEN </span>ausgestellten Werke legen den Fokus auf Gaons Portaits New Yorker Bewohner.<br /> Menschen in ihrem städtischen Kontext sind die dominierenden Motive dieser Serien. In dieser Auseinandersetzung mit New York und deren Bewohnern, in diesem Bemühen einen künstlerischen Ausdruck für die Alltagserfahrungen und den Charakter dieser Stadt zu finden, scheut der Künstler auch vor den weniger schönen Seiten der Stadt nicht zurück, vor den an den sozialen Rand gedrängten.<br /> Die Gemälde sind von expressionischter Manier, mit schnellem, grobem Pinselduktus gemalt, die Farben pastellös aufgetragen.<br /> Die häufig verwendeten Primärfarben, die in starkem Kontrast zueinander gesetzt werden, verstärken die den Gemälden inhärente Dynamik und Vitalität und formen die Ästhetik der modernen Konsumgesellschaft in eine künstlerische Bildsprache und Stilistik um. <br /> Aufgelöste, deformierte Formen, die jedoch nie vollkommen ins Abstrakte gehen, führen zu einer Verschmelzung von Mensch und Umgebung. Es entsteht ein wildes, chaotisches Bildgefüge, eine Verbindung von Bewohner und Stadt und gleichzeitig eine unmittelbare Sogwirkung, die den Betrachter in das imaginierte Geschehen hineinzieht.<br /> Gaons Gemälde bannen das Lebensgefühl New Yorks, ihre Lebendigkeit, ihre Kraft, gleichzeitig aber auch ihre Brutalität und ihr Chaos in Momentaufnahmen auf Leinwand. Letzterer Aspekt wird vor allem auch in jenen Portraits deutlich, in denen sich der Maler ganz auf die Portraitierten konzentriert. Nachdenklich und verletzbar wirkend, werfen sie Fragen nach der Position des Menschen in unserer immer schneller werden Gesellschaft, für die New York eine Metapher ist, auf.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1257 Exhibition: Jeffrey Teuton - Dracula, a Snake, and Narcissus walk into a bar <div class="exhibition-subtitle">Paintings and notebooks</div> <div class="exhibition-dates">May 24 - August 15, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, May 24, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/892"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/7/7802.jpeg" alt="Jeffrey Teuton" height="375" width="500" /></a> <p><p>Jeffrey Teuton</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>english version below</p> <p>Jeffrey Teuton<br /> Dracula, a Snake and Narcissus walk into a bar...<br /> paintings and notebooks<br /> 24. Mai - the show is better than cats, so with it is up until 15. August 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 24.Mai bis zum 07. Juli 2007 die Arbeiten des Künstlers Jeffrey Teuton in der Ausstellung Dracula, a Snake and Narcissus walk into a bar... zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 24.05.2007 statt. Der Künstler wird anwesend sein.<br /> Dracula, die Schlange und Narcissus sind Kreaturen, die im Werk Jeffrey Teutons repräsentativ für Menschen aber auch Mächte und Kräfte stehen, die ihm im Laufe seines Leben begegnet sind und ihn sogar begleitet haben. Manchmal wurden sie zu Stammgästen in seiner persönlichen Hausbar und wetteiferten um seine Aufmerksamkeit.<br /> Teuton spielt in seinen Werken aber nicht den Unschuldsengel - im Gegenteil: er selbst stilisiert sich stets als Teil der Party - als Egozentriker, der nur nimmt, aber niemals gibt, als den alles und zugleich Verschlingenden und als den auto-amourösen Geck! Diese Wesen sind seine Maskerade, die ihn für das Bestehen in der Gesellschaft bewaffnen und munitionieren sollen.<br /> In seiner glamour trash - fuck off-Malerei führt Teuton die Kämpfe und Flüchte dieser Wesen auf die Spitze, es kommt zu einer grandios-royalen Bar-Schlacht, und erst aus den Reihen der Toten wird der Champion gekürt. Das so Entstandende - ,,der neue Mensch" weiß um seine Ursprünge und wird sich seiner selbst bewußt . In den Worten des Künstlers: ,, It is part destruction, a bit creation but comes with knowing and accepting there will always be a little snake slithering around when things can get a bit draculated."<br /> Die notebooks und polaroids sind die bild-textlichen Tagebücher des Künstlers - hier offenbart er seine alltäglichen und persönlichen Belange. Die Arbeiten präsentieren die Achterbahnfahrten seines Lebens der letzten zehn Jahre - von New York nach LA und weiter...<br /> In seiner Malerei führt Jeffrey Teuton den Betracher zum finale furioso - denn Dracula, die Schlange und Narcissus gehen in eine Bar and finally let go...<br /> Jeffrey Teuton: ,,... Like falling into a hole wearing a nice Gucci outfit and trying to claw your way out holding a glass of champagne." - in diesem Kontext stehen seine Arbeiten.<br /> Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Donnerstag, den 24.05.2007 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10</p> <p>---------------------------------------------------------------------------</p> <p>We are pleased to announce the first solo exhibition of Jeffrey Teuton in Berlin Dracula, a Snake, and Narcissus Walk Into a Bar... from May 24th - the show is better than cats, so with it is up until 15. August 2007. The <span class="caps">OPEN</span>ing will be held on May 24th 2007 and the artists will be present. </p> <p>Dracula, the Snake and Narcissus, are "creatures" which can be found in the works of Jeffrey Teuton. These creatures represent people and forces that have crossed his path and orbited around him over time. More frequently these beings have been coming in to the artists "bar" and have been competing for face time. One needs to understand that Jeffrey is not playing the sheep here. He has spent his share of time dressed up as the characters one can see at the party and can also be found in his glamour trash - fuck off images. These situations accompanied with character traits consist of; the one who takes and takes but wont let go, the one who just devours whole, and the one so in love with himself - all these three self chosen behaviours can be found in the recent and past paintings, of the questioning artist. These beings represent the masks used for ammunition in society. For Jeffrey they have been running and fighting and finally come to a point where critical mass has been reached. It was only in this extreme battle royal bar brawl with no winner, that a champion could emerge from the bodies of the dead. The importance for Jeffrey is that what is created knows from who he has sprung and acknowledges those parts from time to time. The artist himself describes his work as being: a part of destruction, a bit creation, but comes with knowing and accepting there will always be a little snake slithering around when things can get a bit draculated. </p> <p>The notebooks and Polaroids are the visual and textual diaries of Jeffrey Teuton, through which his personalities and casualties are exposed. These pieces cover the rollercoaster experience of the past ten years from New York to LA and beyond. The paintings bring the viewer to the finale performance as all three characters walk into that bar and finally let go. </p> <p>Jeffrey Teuton: "........ Like falling into a hole wearing a nice Gucci outfit and trying to claw your way out holding a glass of champagne." - this is the context of his works!!! </p> <p>Opening reception at the gallery with Jeffrey Teuton is Thursday, May 24th 2007 at 7pm. For further information please contact Alexandra Rockelmann 030 27582810.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/892 Exhibition: Katherine Newbegin Warteraum / Waiting room <div class="exhibition-subtitle">Tapetenwechsel</div> <div class="exhibition-dates">September 8 - November 4, 2006</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, September 8, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/767"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5170.jpeg" alt="Installation shot, Katherine Newbegin, Warteraum/Waiting room, 2006" height="267" width="333" /></a> <p><p>Installation shot, Katherine Newbegin, Warteraum/Waiting room, 2006</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Katherine Newbegin<br /> Warteraum / Waiting room<br /> Tapetenwechsel</p> <p>08. September - 04 Novemeber 2006</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 08.09. bis zum 04.11.2006 die Arbeiten der Künstlerin Katherine Newbegin in der Ausstellung Warteraum/Waiting room zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 08.09. 2006 statt.</p> <p>Die Photographien der New Yorker Künstlerin Katherine Newbegin zeigen passing through spaces - temporary spaces. Seien es verlassene Hotels, Kinos, Cafes oder Anstalten: die grundlegende Thematik ihrer Bilder ist die Abwesenheit der Menschen, die zwar nur vordergründig ist, aber die Spuren ihres Lebens subtil spürbar machen. <br /> Katherine Newbegin hat diese zurückgelassenen Spuren menschlichen Daseins in den <span class="caps">USA,</span> Cuba, Rumänien, Polen und Deutschland recherchiert. Jedes Land stellte ein neues Projekt dar, umso überraschender sind die globalen Gemeinsamkeiten der verstrichenen Zeit, die aufgrund der hinterlassenen Relikte nicht nur spürbar, sondern sichtbar werden. </p> <p>Katherine Newbegin photographierte die Räume in genau dem Zustand, in dem sie sie vorfand. Sie hat nichts arrangiert oder verändert, daher wirken ihre Arbeiten unmittelbar auf den Betrachter. Sie erfassen die menschliche Beziehungen, die in diesen Räumlichkeiten einst stattfanden. Sie sind höchst emotional und zeitenverbindend.</p> <p>Die Architektur der öffentlichen Orte spricht die Allgemeinheit an, jedoch beherbergt bzw. beherberte sie Individuen, die gewisse Leistungen erbringen müssen bzw. mußten, um diese Orte zu bewohnen. Sei die Leistung eine mentale Störung, der finanzielle Ausgleich oder eine Befriedigung der Sinne. So wird der public space zum domestic space, mit individuellen Spuren und unzähligen Geschichten.</p> <p>Verbindend ist auch, daß ihre Arbeiten ausschließlich Orte dokumentieren, die einst Schauplatz menschlicher Fürsorge waren. Denn nicht nur in Hotels oder Cafes werden Gäste umsorgt, sondern auch Irrenanstalten kümmern sich um das Wohl ihrer Patienten. It's a vacation of the mind.</p> <p>Beim Betrachten ihrer Arbeiten drängt sich folgende Frage auf: What happened? Wer oder was hat hier gewohnt? Wieso? Und zu guter letzt: Wieso steht es jetzt leer? Wer war der Letzte, der endültig die Tür geschlossen, der endgültig goodbye gesagt hat?</p> <p>Katherine Newbegins Arbeiten sind Porträts nicht sichtbarer aber spürbarer Individuen.</p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Freitag, den 08.09.2006 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/767